festivales de cine en el mundo

Último día de exhibición de las películas que optan a la Palma de Oro, que se fallará mañana. Hoy era el turno de Isabel Coixet y de Tsai Ming-Liang. "Mapa de los sonidos de Tokio", es una especie de thriller romántico en la que se entremezclan venganza, dolor, amor, sexo, y suspense, todo ello con pocos diálogos y muchos sonidos. La película trata de un comerciante de vinos español que se encuentra en Tokio tras la muerte de su novia. Entonces, es seducido por una joven japonesa que trabaja en el mercado de pescado y que viene hacia él con oscuras intenciones. La historia está relatada por un viejo ingeniero de sonidos japonés que va grabando los sonidos de la ciudad nipona. "La historia gira sobre algunas reflexiones que me hago últimamente a próposito de las relaciones humanas, sobre cómo creemos saberlo todo de la otra persona y en realidad no sabemos absolutamente nada, cómo nos engañamos a nosotros mismo y, como a veces, en una relación de pareja, cuanta más intimidad física existe, menos contacto real hay con la otra persona", afirmaba lla directora catalana en la revista Cahiers du cinema España. Todo esto contado con el escenario de fondo de Tokio, apoyándose en una excelente fotografía y en los sonidos, tanto de los lugares como de la composición musical. No obstante, nuestra directora más internacional, parece haber tenido un recibimiento frío por parte de la crítica.

Por otro lado, la última película en competición ha sido "Visages" de Ming-Liang. Una película en la que destaca la vuelta de Jean- Pierre Léaud, el niño que triunfó hace 50 años en Cannes, con "Los 400 golpes" de François Truffaut. Un film que transcurre en el interior del museo Louvre, y en el que afloran el amor del director por los cuadros, la muerte de su madre, los mitos del sexo, del deseo o de la muerte. Todo con un homenaje de fondo al cineasta francés y con una fotografía muy bella. Pero, la crítica tampoco ha encajado muy bien este film y se dice que el guión no llega a convencer y que el relato resulta aburrido.

Heath Ledger volvió ha aparecer ayer en una pantalla de cine. El actor falleció el pasado año, cuando había empezado el rodaje de la última película de Terry Gilliam. Con a penas medio largometraje rodado, el director se topó con el inesperado percance del fallecimiento del australiano. Había que tomar una decisión y el cineasta optó por reescribir parte del guión, dejando intactas las escenas del Ledger. La película se inicia con la muerte en la soga del actor, hecho que sin duda dejó sin sobrecogido al público. Después, resulta que no muere y que siga presente en distintos momentos de la película. Colin Farrell, Johnny Depp y Jude Law, son los que recuperan su papel y, por tanto, los que se encargaron de seguir desarrollando el papel del fallecido. "No hemos cortado ni una línea. Ésta era la película que Heath quería hacer, y así la hemos terminado", aseguró ayer Gilliam en Cannes. La imaginario y fantasioso se entremezclan en esta "The imaginarium of Doctor Parnassus", temas característicos del director de "12 Monos". Además, Terry Gilliam aprovechó la cita para anunciar que rodará la historia inacabada de Don Quijote, aquella cuyo rodaje fue auténticamente caótico y que deparó en un documental sobre una historia sin finalizar.


Heath Ledger que encandiló a muchos con su interpretación de vaquero homosexual en "Brokeback Mountain", pasará a la historia por encarnar uno de los retratos más aproximado al estado de locurá absoluto, en el espectacular papel de 'joker' en "El caballero oscuro". Interpretación que le valió el Oscar a mejor actor secundario, y que demostró que si no se hubiera ido con 28 años, le espera un futuro prometedor. No obstante, el cine tiene una cosa magnífica, que no es otra que poder disfrutar una y otra vez de los actores. La vida artística de los actores ocupa un momento puntual de toda su existencia, pero su sombra y su recuerdo se prolongan interminablemente. Cuando aún colea la nostalgia por su fallecimiento, que se incrementa con el estreno de su nueva película, a algunos nos sobrecoge el repasar todas sus interpretaciones, que nos recuerdan que el cine es mágico y que Heath Ledger está muy vivo.

Elia Suleiman ha llegado por segunda vez a Cannes y ha vuelto a enamorar al público. En 2002, con "Intervención divina" ganó el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI, y en esta ocasión, con "The time that remains", puede ser una de las grandes sorpresas de cara al triunfo final. Suleiman se vuelve a sumergir en un conflicto de Oriente Medio en una clave satírica bastante original. Ya lo hizo en 2002, y ahora va más allá,haciendo una película que "intenta retratar la vida cotidiana de los palestinos que permanecieron en sus tierras y fueron etiquetados israelo-árabes, que viven como una minoría en su propia patria", dijo Suleiman. La inspiración del director han sido, el diario de su padre, que era un combatiente palestino en 1948 y las cartas de su madre, que fue expulsada de su país como otros tantos palestinos. El director homenajea a su familia, lo cual también significa un homenaje a todos los palestinos afectados por el conflicto. Sin duda, nos muestra un tema ya tocado en numeras películas y en el que es muy fácil caer en la sensiblería, en la crítica desmesurada o en el rencor (hay que recordar que el director es palestino). Y aquí radica el gran triunfo de este largometraje. Una crítica labrada desde la sátira y desde el silencio. Dividida en cuatro capítulos, parece que nos esté contando diferentes historias que rallan lo humorístico, pero siempre con el contexto violento de fondo, aunque éste nunca llega a dominar. "Sucede que Palestina ha sido objeto de sobreexposición en los medios de comunicación que ha dejado abierto a las ideologías de la izquierda y la derecha. Sentí que mi problema era desviarse de este enfoque simplista de hacer una película en la que no hay ninguna lección de historia que aprender."

Alain Resnais presentó en el Festival de Cannes su nueva "Les herbes folles", una comedia absurda sobre el misterio y la intriga que se apoderan de un hombre que se ha encontrado una billetera. A partir de ahí, empieza la búsqueda de la mujer dentista, que también le apasiona volar. Se trata sin duda de una película muy madura, de un director que atraviesa sus últimos años de carrera. No obstante, va a cumplir 87, y decía lo siguiente de su film: "Todo lo que me puedo decir es ¿producirá emociones la película que estoy dirigiendo… será suficiente para el espectador para no tener que irse del cine?”.

La crítica ha acogido bien esta comedia, "Alain Resnais no muestra signos de haber perdido la audacia artística con la que se hizo famoso desde Noche y niebla, Hiroshima Mon Amour, El año pasado en Marienbad y Providence… Con Les Herbes Folles, serenamente deja mejor impresión que muchos supuestos innovadores que compiten con él en Cannes por la Palma de Oro", decía Geoff Andrew, de Time Out. El director francés, nunca ha ganado el máximo galardón y la crítica siempre le ha acogido de diversa forma: "ha habido resultados neutros, como los de Mi tío en América (...) y también desastrosos como en el caso de Stavisky... Ahora no es que yo estuviera buscando ir a Cannes, pero así lo han querido mis productores y distribuidores" (Alain Resnais en la revista Cahiers du cinema España, nº23).


Aunque bien es cierto que para "Hiroshima mon amour", una de sus primeras películas (Noche y niebla es anterior, pero se estrena más tarde, con lo que el Bafta lo gana en el 61), Cannes sí que significó su despegue. No fue incluida en Competición, pero arrancó grandes críticas. No sólo despegó, sino que supuso -junto a otras películas- el nacimiento de la Nouvelle Vague, posiblemente el movimiento más influyente del cine. Era un film en el que se rompía la relación espacio-tiempo, en el que la distancia entre una pareja servía para ilustrar los problemas sociales de dos naciones, era en definitiva, una maravilla. Ahora se cumplen 50 años. Una efeméride que ha invitado a los nostálgicos ha recordar y ha emocionarse. Quién sabe si el jurado del domingo también será nostálgico. Si así fuera, sería un homenaje (nostálgico o no) a un grandísimo director y, por ende, a todo un movimiento que cambió el cine.

Hacía muchos años que el director norteamericano había anunciado que iba a rodar este proyecto. Por unas circunstancias o por otras, el año pasado anunció en este mismo festival de Cannes, que en la edición de 2009 se presentaría. No obstante, parece que ha tenido que correr demasiado para que así haya podido ser. Por esta razón, Tarantino ha avisado que su "Inglourious basterds" puede sufrir retoques de postproducción en las próximas semanas. El director se ha ganado a los periodistas en la rueda de prensa posterior al pase de la película, con su habitual humor. Allí ha dejado algunas simpáticas perlas como que "en mis películas yo soy el dios, el que crea y quiere a sus personajes", o sobre el rechazo de Isabelle Huppert de protagonizar su película- ella es la presidenta del Jurado del festival- " yo siempre seré su fan número uno. Mi aspiración como cineasta es hacer algo como 'La puerta del cielo' "(se refirió a que este fracaso en la historia del cine, estuviera protagonizado por Huppert.

Pero yendo ya a lo que ha deparado la película, lo primero que llama la atención es la fría acogida que ha tenido. Se trata de un viaje hacia la Europa nazi, en la que un grupo de descerebrados intentará trazar un plan para matar a Hitler. El grupo estará encabezado por Brad Pitt. La película está dividida en capítulos, y es sin duda un homenaje al cine. Las continuas referencias a otros textos fílmicos, de una forma explícita, es uno de los estilemas básicos del cine de Tarantino. Este rasgo, está llevado al límite en esta película, desde el inicio (homenaje a Leone, empezando con Once Upon a Time...) hasta el final (la película es un remake tarantiniano de "Quel maledetto treno blindato", de Enzo Castellari)y pasando por muchas referencias a películas de serie Z y grandes clásicos del cine, como "El Gran dictador" (Charles Chaplin, 1940). Pero además, la película, a través de una escena en la que los revolucionarios planean un atentado en un cine parisino, "es una metáfora sobre el poder del cine. Pero por otro lado demuestra el poder del cine sin ningún tipo de metáforas", explicaba Tarantino. Un director que ha conservado otros rasgos típicos de su cine, como la ingeniosidad de los diálogos, la violencia o el sentido del humor, ya que se han utilizado diferentes idiomas para cada una de las nacionalidades de los personajes, hecho sobre el que bromeó Brad Pitt: "Da gusto trabajar en una película en la que los alemanas son alemanes, los franceses son franceses, los estadounidenses son estadounidenses y los británicos... son canadienses"
No obstante, la película ha parecido larga y, algunos críticos creen que hay que retocar el montaje para acelerar la acción. Sin duda, hoy se comenta más la rueda de prensa más divertida del Festival, que la propia película. Y eso quiere decir una de dos cosas, que se tapan carencias o que se piden explicaciones. Y de momento, explicaciones sólo se le han pedido a uno.

Marco Bellocchio presentó en sección oficial su nueva película, Vincere, un drama biográfico sobre Mussolini. El film narra el ascenso del dictador italiano, altenandolo con imágenes de archivo. Precisamente, estas imágenes documentales que se van enntremezclando con la narración del ascenso socialista al poder en otros lugares de Europa, son lo que más ha gustado a los críticos. El arranque también ha agradado, aunque casi todos los expertos coinciden diciendo que la película se diluye a partir de poco más de la media hora, para recrearse demasiado en algunos aspectos que desconectan al espectador. El largometraje se centra en el drama humano de la primera mujer del dictador, que fue encerrada en un manicomio porque nunca se aprobó su relación con Mussolini. Fruto de esta relación, nació un hijo que será la figura (junto a la de la madre) fundamental a lo largo del film, sobre las que recaerá el mayor peso del drama humano que se está narrando. No obstante, floja acogida de la crítica a una película de un veterano director que esta vez no ha podido obtener unas críticas tan favorables como las que recogió hace unos años "La sonrisa de mi madre".


Por lo que respecta a las proyecciones de hoy, todo apunta a que puede ser una gran jornada. Presentan película dos de los pesos pesados del cartel de este año, Tarantino y Alain Resnais. El director americano exhibe "Inglourious Basterds", una película bélica con la que espera repetir la Palma de Oro que ya consiguió en 1994 con "Pulp Fiction". Mientras que el veteranísmo director francés, estrena "Les Herbes folles", con la intención de lograr un premio que nunca ha conseguido, a pesar de llevar 50 años realizando películas. Son sin duda, dos de los candidatos, a priori, más importantes para obtener la victoria final.

Siguen pasando los días en el Festival de Cannes y se siguen proyectando películas, tanto en la sección oficial como en el resto. Aún colean los ecos del "Anticristo" y las demoledoras críticas que ha recibido Lars Von Trier. Incluso apuntan algunos espectadores que hubo algún veterano crítico de este país que al finalizar la película, se levantó y se acordó a grito pelado de la madre del danés. Pero dejando de lado ya la polémica suscitada por este film, hoy se ha estrenado la primera de las dos películas españolas que compiten por la Palma de Oro en Cannes (Coixet presentará su "Mapa de los sonidos de Tokio" el viernes). Se trata de "Los abrazos rotos" de Almodóvar que ha recibido buenas críticas por parte de los expertos y del público. El film se encuentra en esta etapa más madura de su cine, que ya empezó hace diez años con la sobrevalorada "Todo sobre mi madre", y que se ha convertido con el paso del tiempo en el largometraje más reconocido del manchego a nivel internacional. Con ella consiguió el premio en Cannes a mejor director y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Después seguiría el Óscar a mejor guión original de "Hable con ella" y la nominación a mejor actriz principal de Penélope Cruz, por "Volver".


En esta ocasión, el director nos presenta un melodrama con tintes de cine negro, de thriller y algún rasgo cómico habitual, que resulta bastante típico en su cine. Como también es bastante típico su egocentrismo, que en esta ocasión queda explícito desde el inicio al mostrarnos sólo su nombre en los títulos de crédito iniciales. Además, la película es una especie de autohomenaje, resaltando todos los clichés típicos de su cine. Ese juego de pasiones, de secretos, venganzas... es muy característico, sobre todo, de la última etapa de su cine. Es una película que conforme avanza hacia sus momentos más decisivos, pierde un poco la conexión con el espectador en ese universo de historias amorosas y relaciones vitales. No obstante, no es una mala película, y teniendo en cuenta la buena acogida en Cannes por parte de los espectadores y el buen nombre del manchego a nivel internacional, le pueden convertir en un candidato importante en la lucha por la Palma de Oro. Aunque, también es cierto que hoy los medios de comunicación españoles lo elevarán a lo más alto de los altares.

"Una agitada, larga y francamente disfrutable amalgama de géneros que combina melodrama, comedia y más cine negro que nunca, todo sostenido gracias a la extraordinaria fuerza de la personalidad cinemática de Almodóvar. Aunque su historia de amor a cuatro bandas deslumbramente, nunca llega a explotar." (Jonathan Holland: Variety)

"Y no te crees nada, aunque el envoltorio del vacío intente ser solemne y de diseño. Y los intérpretes están inanes o lamentables. La única sensación que permanece de principio a fin es la del tedio." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Un Almodóvar para hipertensos: poca sal. (...) Es, contra toda lógica, una película fría, a pesar de que lleva dentro un argumento hirviente y una idea volcánica: el amor fosilizado eternamente." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"La puesta en escena es extraordinaria y la dirección de actores magistral, pero el guión es un puro altibajo (...) alternancia de momentos memorables (...) con otros para el olvido. (...) un final que se alarga innecesariamente (...) " (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Almodóvar ha aprovechado el festival para anunciar que su próximo proyecto será sobre la Guerra Civil española y que "Quiero hacer algo especial. No va a haber tiros, no va a haber contienda. Se va a hablar de otras cosas, de seres que ahora viven y que en ese momento eran muy jóvenes. No sé cuando lo haré, pero lo tengo allí y ya estoy escribiendo".

¿Es casualidad que coincidan en el mismo día de exhibición Ken Loach y Lars Von Trier? No lo se, pero la verdad es que si es casualidad, menuda coincidencia. La dura crítica recibida por el danes, contrasta con los aplausos que ha recibido el británico. Puede ser, que después de ver el horror de "Anthicrist", la aceptación de la comedia de Loach haya sido más positiva. Por decirlo de otra manera, la crítica puede estar condicionada por el contraste de emociones, que va de lo infrahumano a lo más humano. Y en esa humanidad, encontramos a un personaje con los típicos problemas que tiene cualquier padre con su hijo. Cuando le aparece uno de esos problemas, allí se encuentra el ex-jugador de futbol Eric Cantona, que le enseñará su filosofía de vida. La película contiene algunos de los mejores goles de la carrera futbolística del jugador francés.


"Nunca pensé que ir a un partido de fútbol fuera una oportunidad de hacer un experimento antropológico. Pero lo cierto es que el concepto de equipo es una forma de comunidad. Es la única circunstancia en el que el nacionalista está permitido y los sentimientos se expresan libremente", explicó Loach.

El realizador británico, que ganó hace tres años con "El viento que agita la cebada", consiguió que su nuevo film resultara amable y agradable para el público. No se hasta que punto le deba parte de ese buen recibimiento a Lars Von Trier. Yo de momento tengo claro que entre el cine obvio de Loach y el subversivo del danés, me quedo con el segundo.

Palos, muchos palos. Eso es lo que está recibiendo Lars Von Trier por su nueva película. Se trata de un film de terror psicológico en el que una pareja intenta superar su depresión por el fallecimiento de su hijo. Para ello, se aíslan en una cabaña, con el fin de superar sus propios miedos. A partir de aquí, sexo explícito, sadomasoquismo, autoflagelaciones, sangre... Elementos que llevan a la incomodidad total del espectador. La crítica ha abucheado esta película e, incluso en rueda de prensa, al cineasta danés le han pedido que se excuse por hacer este largometraje. Ahora me pregunto yo, ¿qué hay de nuevo en todo esto?. Lars Von Trier es un director excéntrico, polémico y con una forma de ver el mundo muy peculiar. Es por ese motivo por el que suele hacer lo que le viene en gana (ver por ejemplo el movimiento Dogma 95, "Las cinco condiciones" o "El jefe de todo esto"), siendo repudiado por muchos espectadores. El danés ya sabe lo que es ir a Cannes con un buen film y volverse con abucheos. Sucedió con "Los idiotas" y ahora ha vuelto a pasar(ver resumen de Cannes 98 de Boyero). Sin ver todavía la película, estoy seguro de que él ya sabía qué acogida iba a tener entre el público, ya que si algo le caracteriza al danés, es ser uno de los cineastas más inteligentes del momento. Tanto, que en rueda de prensa, ha mostrado hasta donde llega su ego, afirmando que es "el mejor cineasta del mundo", y se ha dirigido a algunos periodistas para decirles que si "no han entendido la película, él no se la iba a explicar".


Von Trier se encontraba sumido en una depresión desde hace dos años, y ahora rueda una película sobre esa enfermedad. Él sabe lo que es, y los miedos que se padecen, por lo que atisbo que su intención ha sido torturar al espectador como él se ha torturado durante este periodo.
"Eso es como un sueño convertido en película". "Es un sueño muy oscuro, sobre la culpa, el sexo y otras cosas".

Luis Martínez, El Mundo: "¿La más pretenciosa de sus películas o la más disparatada de sus ocurrencias? Respuesta: las dos cosas. Imposible retirar la mirada de algo tan sugerente y magnéticamente repulsivo. Trier en estado puro."

Rodriguez Marchante, Diario ABC: "No es “Anticristo” la película de un loco depresivo, sino la de alguien que sabe a la perfección dónde está la locura y la depresión, y lo detalla minuciosamente..."

Carlos Boyero, El País: "El Anticristo es una tomadura de pelo notable, una provocación barata"

Llegí el día en que Amenábar volvió a estrenar una película. Después de que sus primeras películas ("Tesis", "Abre los ojos" y "Los otros") cautivaran al público y a los académicos, el director español dio un giro en su forma de hacer cine, para mostrarnos algo más comercial. "Mar adentro" se convirtió en un éxito entre público y crítica, pero defraudó a gran parte de los académicos. Ahora, el cineasta nos sumerge en la épica del cine de época, con una película ambientada en el siglo IV, haciendo una reflexión sobre las tragedias de la historia de la humanidad y sobre esa especie de comienzo de la Edad Media. Sin duda, "Ágora" es un proyecto faraónico de 50 millones de dólares, una de las producciones más caras de la historia del cine español. Las primeras impresiones es que la crítica está dividida entre los que lo ven como una gran apuesta y los que lo consideran una decepción. Lo que sí que me atrevería a aventurar es que se trata de la apuesta más comercial de Amenábar, aunque según el propio cineasta en la revista Cahiers du cinema España (Nº 23, pág. 14), "es una película out of the box, está a medio camino entre el cine comercial y el personal". Sin embargo, si vemos este vídeo, podremos corroborar cuál es su principal objetivo ahora mismo.

"Grandioso proyecto con resultado notable. (...) poderoso sentido visual, diálogos excelentes, personajes diseñados con complejidad, tensiones latentes. (...) estoy deseando que me atrape la emoción, pero ésta no llega." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Las buenas noticias corren a cuenta del gusto por el detalle, la cinematografía elegante, el discurso pausado (...) Las otras, las malas (...) la historia no avanza, no hay tensión (...) mucha astronomía y poca emoción." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Ágora no logra, creo, traspasar el restringido umbral que separa lo bueno o muy bueno de lo excepcional. Hay pasión y toda las maestría del mundo en esta película pero en el centro del ágora... falta el punto de garra o de alma necesario" (Borja Hermoso: Diario El País)

"Ya he conseguido cerrar la boca después de ver "Agora"... Es fascinante, como también lo es el personaje que nos descubre, la sorprendente Hipatia (...) Amenábar borda lo grande (qué espectáculo) y modela lo pequeño, desde la idea hasta el hecho." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

Volviendo a la sección a concurso, ayer tuvo lugar el estreno de "Vengeance" la nueva película de Johnnie To. El hongkonés, vuelve a su terreno de los disparos, las largas secuencias, el thriller, que desde blogs como Sensacine apunten a que es una gran película. Sin embargo, los críticos de los principales diarios españoles argumentan que es más de lo mismo en la trayectoria del cineasta y que no ha logrado enganchar al público.

Primeros días de festival. Viendo páginas de enviados especiales, blogs, foros... casi todos coincidían con la decepción de los films de los primeros días. Todos esperaban más de Campion, que volvía a Cannes después de que hace 16 años se llevara la Palma de Oro con "El piano", de Park Chan Wook, que también recibió muy críticas hace unos años con "Old boy" o de Bong Jonn-Ho, autor de "Memorias de un asesino". Pero, ayer irrumpió uno de los directores con nombre más consagrado en los últimos años. Se trata del taiwanés Ang Lee, que presentó su particular visión de "TAking Woodstock", en la que se acerca al movimiento del Woodstock de finales de los 60. Una comedia dramática en la que se mezclan sexo, drogas, música y esperanzas de algunas personas de enriquecerse gracias al movimiento. La crítica destaca que el director no se limita sólo a describir lo que sucedió, sino que le aporta un toque personal que traslada al espectador al famoso festival de música.

- Borja Hermoso, El País, "Ang Lee persigue el espíritu hippy y la Palma de Oroç"
- Carlos Boyero, El País, "Es una película descriptiva y narrativa, irónica y tierna, humorística y lúcida, un homenaje memorable a aquel pasote generalizado que montaron los hijos de las flores"
- Rodriguez Marchante, Abc "«Taking Woodstock» es una obra impresionante, que elude el documental (tenía tan a mano fundirlo y confundirlo) para atrapar el documento, y que elude igualmente el drama para mostrar lo dramático y la comedia para que brote lo cómico."


Otra película que no disgustó fue "Un Prophète" de Audiard, drama carcelario en el que el protagonista árabe se entremezcla con la mafia racista en el interior de la cárcel. Un protagonista encrucijado entre estar al servicio de la mafia y en contra de sus pensamientos y de su pueblo. Una película de dos horas y medias muy violenta, pero que también ha gustado a la crítica.

- Luis Martínez, El Mundo "Con mano maestra el realizador que antes fue guionista durante décadas construye un drama carcelario libre de empeños, esquematismos, gestos manidos. Es decir, y para no perder el tiempo en adjetivos: una obra maestra".

En el concurso Una cierta mirada, también ha gustado mucho "Precious", un "dramón" de una mujer muy gorda que es violada por su padre y que tiene hijos con él. Una dura película independiente que ya triunfó en Sundance.
Por lo tanto, podríamos resumir que división de opiniones en el primer fin de semana del festival. Unos días, en los que se ha recuperado la gran asistencia de público y, lo que es mejor todavía, el buen cine.