festivales de cine en el mundo

Mapa de los sonidos de Tokio: las buenas intenciones se pierden por el mapa

2009-11-11T11:30:00.000-08:00

Mapa de los sonidos de Tokio es la última película de Isabel Coixet. En ella ahonda, de nuevo, en las complejas relaciones amorosas entre dos personajes atormentados. En esta ocasión, la realizadora catalana opta por recrudecer las relaciones sexuales de los enamorados, mientras la vida de ambos transcurre sin que se lleguen a conocer. Es decir, su más absoluta intimidad simboliza la desnudez que cubre sus vidas, ya que él (Sergi López) está solo al perder a su novia y ella (Rinko Kikuchi) se dedica a asesinar a cambio de dinero. El mapa que nos dibuja nuestra directora más internacional, tiene como centro ese nido de amor y, sus ramificaciones son estratos sociales tan distintos como una empresa internacional de primer nivel, un mercado de pescado, una tienda de vinos, un restaurante con mujeres desnudas en las que se apoya la comida o una casa vacía de elementos y comida, en la que apenas se encuentran unas bolas de fresa.

La fotografía de la película es buena, pero me esperaba una cosa totalmente distinta antes de ver la película, después de leer alguna entrevista y algún artículo. Una vez visto el film, me da la sensación de que Coixet tiene muy en mente el referente de Lost in Translation, para hacer algo distinto. Si recordamos la película de Sofia Coppola, una pareja que sufre por amor, acaba por llegar al extremismo de no poder consumar aquello que desean, todo bajo una imagen de Tokyo espectacular. Mapa de los sonidos... nos propone una pareja en la que surge el deseo y lo llevan al extremo de la consumación, mientras que las imágenes que vemos de la ciudad son barriobajeras. Creo que la realizadora catalana tiene en mente el referente para evitarlo y que no la tachen de hacer algo similar a la película de la americana.

Entrevista a Isabel Coixet

Por otro lado, la figura del ingeniero de sonidos trata de reflejar la gran incomunicación de la actriz de Babel. No le comenta nada, pero él lo sabe todo por los sonidos de Tokio. Esta figura acaba convirtiéndose en un narrador que no nos aporta nada, ya que si eludiéramos su voz enunciadora y dejáramos que los personajes nos contaran la historia, el resultado sería similar. Puede resaltar los sonidos, ver la diversidad, intentar registrar el minimalismo en una ciudad extremadamente ruidoso, destacar la incomunicación, pero no funciona.

Al final,una serie de sucesos superarán a los personajes y, tal vez el espectador, sin que lleguen a entender la situación. Ese desconocimiento de él sobre ella, convierte el final en previsible y excesivamente forzado. Por esto, no acaba de funcionar y nos deja la sensación de que la historia parte de situaciones interesantes, tiene momentos emotivos que mantienen la atención del espectador, pero a la película le falta algo para acabar de llegar al mismo.

Si la cosa funciona... ¿para qué cambiar?

2009-11-10T12:44:00.000-08:00

Dejo de lado algunos de los comentarios de mi estancia es Sitges y vuelvo a escribir sobre algunas de las últimas películas que he podido ver en el cine. Viendo la última película de Woody Allen, es innegable que nos viene a la memoria su personaje, pero su personaje de los años 80 o 90. Si la cosa funciona es una vuelta a los orígenes, a la hipocondria, a los chistes ágiles, a las situaciones delirantes y rocambolescas, a la comedia o a la mezquinidad. Conceptos, algunos de ellos, difícil de aunar con inteligencia. Pero si hay una cosa que no se le puede negar a Allen, es precisamente esa, la inteligencia. Después de dos obras que a un servidor le dejaron un ingrato recuerdo, el realizador newyorkino ha optado por una vuelta a un guión que empezó a escribir en los 80 y, que supone una vuelta a su cine, dejando atrás el insulso paso por el drama (me refiero al del Sueño de Casandra, no a la grandiosa Match Point) y por esa comedia postalística que pocos le atribuiríamos a Allen.

Trailer Si la cosa Funciona

El personaje de Larry David en Si la cosa funciona es claramente un alter ego del Allen actor. Cuando vemos y escuchamos a ese personaje hipocondriaco, cuando intentamos entender su relación con el mundo y con las mujeres o cuando queremos saber qué es lo que le perturba tanto para intentar suicidarse dos veces, estamos imaginando al personaje de Allen. Desde el inicio de la película, ver a Boris Yellnikoff mirando fíjamente durante más de tres minutos y hablando con los espectadores, me hacía tener buenas vibraciones. Quién no recuerda el inicio de Annie Hall, las confesiones de Maridos y Mujeres u otros títulos en los que los personajes entablaban diálogos con el espectador. Después de películas más clásicas, como las últimas - a excepción de Scoop-, el director estadounidense vuelve a esa ruptura de las leyes del cine tradicional, para decirnos desde un momento que vamos a observar otra reflexión del azar, vista desde los extremos de la historia. Yellnikoff intentará suicidarse pero un toldo le salvará, aunque le dejará cojo, se casará con una joven que va a pedirle a casa, pero se irá con otro y, el protagonista se casará al enamorarse de una mujer que le salva accidentalmente la vida. De nuevo, el azar está vertebrando todo el relato, como en tantas películas que ha dirigido este realizador. En este cúmulo de breves, intensas y extremas circunstancias que se suceden en el film, el realizador rompe los extremismos de todos los personajes (un hombre que odia a la humanidad, acaba teniendo un montón de amigos, una chica ingenua acaba hablando constantemente de física cuántica, sus religiosos padres abandonan la religión y se dedican a hacer tríos y congeniar con homosexuales...) y reflexiona sobre la fugacidad de la vida. Este es uno de los puntos fuertes del film, ya que es difícil reflexionar sobre el paso del tiempo sin caer en sentimentalismos. Woody Allen hace del extremismo, una virtud y de la vuelta a sus orígenes, una necesidad. En definitiva, Si la cosa funciona... ¿para qué cambiar?

Cold Souls: La imperfecta separación del cuerpo y el alma

2009-10-18T02:49:00.000-07:00

Paul Giamatti se interpreta a sí mismo en esta película de Sophie Barthes. Giamatti es un actor que se adentra tanto en sus personajes, que en ocasiones no sabe separar su profesión de su vida. Cuando lee un artículo en una revista sobre el alma, decide ir a un centro de donación de almas. Allí es convencido para que se extraiga el alma, para poder seguir con su profesión. A partir de aquí, el actor se dará cuenta de que su vida ha cambiado para mal y de que debe ir en busca del alma perdida.

Barthes reflexiona en Cold Souls sobre la necesidad que tiene el ser humano de conformarse con lo que es y lo que tiene. El hecho de que el actor venda su alma, no es más que una muestra de la insatisfacción que Giamatti tiene con la mala situación de su profesión. Para conseguir una satisfacción plena, cae en la tentación de modificar su personalidad y se extrae el alma. Cuando ve su alma, no entiende como puede ser tan pequeña como un garbanzo. Es decir, ese atributo minúsculo de la personalidad de un ser humano es necesario aceptarlo y no intentar modificarlo. Es lo que se extrae cuando vemos cómo cambia la personalidad del protagonista. Ya no es el mismo, basa sus actuaciones ens instintos primarios y no tiene más remedio que buscar alternativas para poder ser feliz. A partir de aquí, la directora nos muestra esos instintos primarios, pero sólo en tres escenitas, que no acaban de definir correctamente que diferencia hay entre un hombre sin alma, uno con una alma de un poeta, una mujer con muchas almas o el actor con su alma real. Este error de planteamiento, hace que la película caiga en una histriónica búsqueda del alma del actor, por el mercado negro de tráfico de "personalidades".

Trailer Cold Souls
La película está basada en el libro El hombre moderno a la búsqueda de su alma, de Carl Gustav. En el film hay una referencia clara a la obra de Chejóv, Tío Vania, aunque no se acaba de ver una clara relación entre la obra y la historia que se nos cuenta. Sí que hay alguna escena en la que juega con el desalmado Giamatti y su histrionismo, pero que funcionan más como comedia absurda que como referencias importantes en el film. En el reparto, tenemos a un buen Giamatti, a una pasable Dina Korzun y a Emily Watson, totalmente desaprovechada, ya que apenas aparece en unas tres escenas de la película. En definitiva, Barthes se queda corta en la definición y profundización del concepto de alma, que debería haber sido la clave de la película.

Sitges 2009: La fantasía superó al terror

2009-10-15T07:59:00.000-07:00

El pasado lunes finalizó el festival de Sitges, aunque el domingo ya se conocía el nombre de los vencedores. Algo tan extraño como que el nombre del Festival se vaya modificando, para no cambiar a penas nada. Aquí están los nombres de todas las ediciones del festival:

1968-1972 Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror
1973-1980 Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror
1981 y 1982 Festival Internacional de Cinema Fantàstic i de Terror
1983-1996 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges
1997- 2008 Sitges-Festival Internacional de Cinema de Catalunya

Este año, el nombre de esta semana era Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, es decir el sexto nombre en 42 ediciones. Mi estancia en la ciudad catalana fue tan breve como intensa, en la que a penas pude visionar un par de películas que prometían y se fueron de vacío. La gran triunfadora fue Moon, con los premios de mejor película, guión, actor (Sam Rockwell) y diseño de producción. Su director Duncan Jones pareció que rindió homenaje a un Stanley Kubrick primerizo, con un viaje espacial que recordó a 2001: A Space Odissey. Precisamente, uno de los actores más famosos de Kubrick, Malcolm Mcdowell recibió su homenaje en la sección Sitges Clásicos, por La Naranja Mecánica. Las retrospectivas son una de las cosas más interesantes de los festivales y Sitges este año optó por algunos títulos interesantes, como El espíritu de la colmena, los 30 años de Alien o El péndulo de la muerte.

(Trailer que se pasaba antes de cada película)

Dejando de lado las retrospectivas, otro de los grandes triunfadores del Festival fue Brillante Mendoza, que tras su sorprendente paso por Cannes con Kinatay, en el que ganó el premio a mejor director, aquí se llevó el mismo galardón, al que acompañó con la mejor banda sonora. Elena Anaya venció en la categoría de actrices, junto con Kim Ok-vin, el alma vampiresca de Thirst. Enter the void, otra de las películas que pasearon por la alfombra roja de Cannes, se llevó la mejor fotografía y el premio especial del Jurado. Por su parte, Zombieland recibió el premio del público.

Mi paso por el Festival
El día elegido para transitar las calles de Sitges fue el viernes 9 de octubre. El estreno de Ingrid, película en la que ha trabajado mi amigo M. Prades, y su invitación hacía que fuera obligatorio mi paso por la localidad catalana. Antes, tuve tiempo de ir a ver Cold Souls, que venía avalada por la interpretación de sí mismo de Paul Giamatti y la intervención de Emily Watson. Se trata de una película que aborda el tráfico de almas como si se tratara del mercado negro de transplante de órgano. La película entretiene a ratos y provoca alguna sonrisa, pero nunca se llega a entender qué es el alma.
Por la tarde, pensaba ir a ver por tercera vez en mi vida El espíritu de la colmena, una de las grandes obras de la historia del cine español, pero no pude por cuestiones de espera a unos amigos que se retrasaron tres cuartos de hora. Mientras, descansaba en la terraza del Miramar viendo una exposición (foto del cuadro de lee van cleef), tiendas y tomando cafés (foto). Mis souvenirs de Sitges son Riget DVD, Déjame entrar (por la que también me regalaron Brick).
Cuando me reunió con mis amigos, quedaba el objetivo de Ingrid. Entramos en el Auditorium y empezó el Homenaje a la carrera de Elías Querejeta. Aquí se empezarona torcer mis expectativas de asistir a una gran proyección. El productor a penas pronunció un gracias al mínimo recuerdo que le rindió la organización del Festival y los protagonistas de Ingrid, hubieran aportado más si no hubieran pronunciado una sóla palabra en sus discursos. Precisamente, es lo que le sucede a la joven Elena Serrano, que debuta en el mundo actoral con este film. La "actriz" maneja bien los momentos más expresivos, pero sobreactúa y de una forma escandalosa cuando habla. La película narra una extraña historia de atracción de un vecino por Ingrid, y le ayuda en todo lo que puede para superar sus problemas. Fiestas, drogas, excesos, autoflagelaciones, sentimientos de culpa, incomunicación, bisexualidad... son algunos de las características que rodean al personaje de Ingrid. Sin embargo, la película es mucho más pretenciosa que coherente y, sobre todo, conforme avanza la acción se torna en experimental. Es lo que algunos modernos lo catalogan como performance, pero yo lo considero improvisado y distinto al clasicismo típico de los trabajos de Eduard Cortés. En los próximos días también profundizaré en la crítica a este film.

Por último, ya sólo quedaba ver el ambiente del Festival por la noche y, la verdad es que fue decepcionante. No quedaban entradas para el maratón, y por las calles a penas había gente. Cuenta la organización que se han batido récords de entradas, con 60.000 vendidas. Lástima que el viernes, el porcentaje fuera mínimo en comparación al sábado, que era el día de los zoombies. Yo vi el reflejo del nuevo nombre, más fantasía que terror.

San Sebastián 2009: el triunfo del Spielberg chino

2009-10-05T10:01:00.000-07:00

El Festival de San Sebastián se desarrolló entre los días 19 y 26 de septiembre. Desde los primeros días del festival, se hablaba de dos claras candidatas a la concha de oro: El secreto de sus ojos y City of life and dead. La primera narra una historia de amor imposible en la Argentina de los 70, rodeada de un germen de violencia anterior al inicio de la dictadura. Esta película es la que ha elegido Argentina para entrar en la carrera de los Oscar. Mientras que la película china elige los campos de concentración de Nanking (China), en los años 30. En blanco y negro y al estilo de La lista de Schindler, Lu Chuan nos devuelve a la tragedia, al horror, la humanidad o el sentido de culpa que se produce en este holocausto. El comienzo es demoledor y la historia continúa sin perder un ápice de interés. La crítica coincide que es un triunfo justo. Os enlazo esta crítica de Xavi Vidal.

Por otro lado, detesto ciertos aspectos del Festival de San Sebastián. Como las grandes películas que llegan a este festival, ya han pasado por Cannes, parece que tiene poco interés el hablar de ellas, por lo que la prensa (rosa) prefiere comentar el desfile de personajes que pasea por la alfombra roja. Por esto, pocos reportajes han habido de Des weisse band, ganador del FIPRESCI, o de otras películas que llegaban fuera de la sección oficial. Una sección, en la que destacó el galardón a los mejores actores de una misma película. Lola Dueñas y Pablo Pineda nos descubren una historia de amor entre el primer joven con síndrome de Down y título universitario y su compañera. Yo, También es una película que habla del amor verdadero, ese amor que supera todas las dificultades y esa barrera (la enfermedad) totalmente asumida y superada. Sorprendente fue el triunfo de Javier Rebollo como mejor director, por La mujer sin piano, cuando todo parecía que sería un duelo entre los realizadores de las mejores películas (Campanella-Chuan). El Premio especial del Jurador fue para El refugio, mientras que el mejor guión fue para Blessed y la mejor fotografía para City of life and dead. Destacar también el premio de la crítica internacional para Los condenados, película en la que ha trabajado mi gran amigo Marc Prades. También quiero destacar nuestra presencia conjunta el próximo viernes en el estreno en Sitges de Ingrid, película en la que también ha trabajado. Por esto, a partir de la semana que viene, haré algún reportaje del festival de cine fantástico (si no hay problemas de última hora).

Reportaje de Canal 6, de Mother and Child y del Palmarés

Por último, no quiero dejar de mencionar que en esta 57 edición del Festival de San Sebastián, se ha rendido un mericido homenaje a Richard Brooks. Director de películas inolvidables como La gata sobre el tejado de cinc, El cuarto poder, El fuego y la palabra, La última vez que vi París o, capaz de realizar la que es, posiblemente, la mejor adaptación que se le ha hecho a una novela de Truman Capote (A sangre fría).

PALMARÉS

Malditos bastardos: cuándo el poder del cine puede cambiar la Historia

2009-10-01T09:05:00.000-07:00

(web oficial)

(Ver película en streaming)

Quentin Tarantino llevaba años con el intento de rodar una especie de remake de la película de 1978, Aquel maldito tren blindado, de Enzo G. Castellari. La película parte de una misión de unos americanos contra los nazis, ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Tarantino parte de una historia similar, bajo el mismo título (en inglés Inglourious Bastards, aunque el director americano cambia una a por una e, en referencia a la importancia de los acentos en su película), pero convierte la historia en algo radicalmente distinto.

La película está dividida en capítulos, conservando cada uno de ellos cierta independencia. Los personajes irán avanzando, hasta llegar por caminos distintos al mismo lugar. El primer capítulo sienta unas bases fundamentales en el desarrollo de la película. Un francés recibe la visita de los nazis, con el coronel Hans Landa (Christoph Waltz) a la cabeza. El inicio de la escena es brutal. Tarantino utiliza el angular para mostrarnos al ganadero y a los nazis, y al momento suena el Für Elise de Beethoven con un toque de spaguetti-western. La tensión va aumentando conforme avanza el capítulo. Lapadite y Landa entran en la clase y establecen un diálogo en francés, hasta que el coronel dice que se cambie el idioma. Este pequeño gesto, tan presumiblemente inofensivo, significa: sentar las bases de la gran importancia que tendrán los idiomas en el resto de la película y hacer que los judíos que están escondidos no entiendan la conversación. Un plurilingüismo que el director utiliza para reflejar que esa guerra no tuvo idiomas, sino que fue un conflicto plurinacional. Pero, la escena dura unos 20 minutos, vertebrados por el diálogo que mantienen los dos protagonistas. Si a estas características típicas del cine de Sergio Leone le unimos el comienzo, "Érase una vez en... la Francia ocupada por los nazis", empezamos a ver la similitud de este primer capítulo con el director del spaguetti-western. Pero la gran diferencia entre el cine de Leone y esta y otras secuencias de la películas, es que la capacidad que tienen para generar tensión en las largas escenas, se produce de formas radicalmente opuestas. Mientras Leone optaba por los silencios y las miradas, Tarantino articula brillantes diálogos. Al final, toda la tensión que ha generado el director dilatando esta escena, explotará con la muerte de todos los judíos escondidos, menos de Shosanna. Esta escena, también marcará el inicio de las ansias de venganza de la protagonista.

El segundo capítulo se inicia con la presentación de los bastardos, grupo de judíos-americanos que traman el plan de matar a Hitler. Presentados al estilo, Doce del Patíbulo y dirigidos por un americano de Tenesse, Aldo Raine (Brad Pitt), encaprichados en cortar cabelleras. Tanto el nombre del protagonista como la forma de matar, está más cerca de cualquier tribu que de un grupo de soldados.

El capítulo 3 nos muestra cómo Shosanna se ha convertido en propietaria de un cine y trabaja junto a su novio negro. A partir de este momento, se producirán muchas referencias al cine clásico de los años 30 y 40. Leni Riefenstahl, directores judíos que emigraron a Estados Unidos, actrices de relumbrón (Bridget von Hammersmark), debates sobre cineastas y películas, referencias a Fritz Lang, a Douglas Sirk... Hay numerosas referencias de películas clásicas desde aquí hasta el final. Tarantino hace posmodernista la conjunción de numerosas referencias clásicas. Shosanna clamará venganza, y desde este capítulo encarna a Uma Thurman en Kill Bill, su único objetivo será devolverle la moneda a aquellos que le quitaron a su familia, cueste lo que cueste. La judía conocerá a un héroe de guerra (Daniel Bruhl), que Goebbels habrá convertido en su estrella de cine. De este modo, se configurará una historia de amor-odio, fundamental hasta el desenlace final.

Entrevista de El País a Tarantino

El capítulo 4 es, sencillamente Tarantino. 30 minutos dentro de una taberna. Los bastardos escondidos en la parte de arriba del bar y unos soldados nazis de fiesta por el nacimiento del hijo de uno de ellos. El plan consiste en que 3 bastardos quedan con von Hammersmark para trazar el plan para matar a los altos cargos del Tercer Reich, durante la proyección de la película que protagoniza Daniel Bruhl en el cine de Shosanna. Pero, el plan no sale bien por la presencia de los nazis borrachos. 30 minutos de diálogo, tensión, engaños, juegos, artimañas y, sobre todo, planes truncadas. Según Tarantino en la entrevista de Cahiers du cinema España, del mes de septiembre, "es la secuencia de la que estoy más orgulloso (...) el objetivo es mostrar hasta qué punto es minúsculo (el espacio). Nadie puede escapar, están atrapados (...). Es un Reservoir Dogs en minuatura, reducido a media hora y rodado en alemán". Efectivamente, es condensar todos los rasgos típicos de su primera película a 30 minutos brillantes. Los personajes juegan a adivinar un personaje que figura en la carta que tienen en la cabeza. Es una forma de ir dotando de tensión a la acción, de burlarse del coronel alemán y de jugar al quién es quién. Cada uno de los personajes conocerá a los personajes de los demás, pero tendrá dudas de despejar la identidad real de las personas. Es decir, a parte del juego de adivinar quién es cada uno, existe el juego de adivinar la procedencia de los individuos de la taberna. Al final, todo estalla es un tiroteo múltiple y con la muerte de todos los personajes, menos el de la conspiradora Von Hammersmark.

El último capítulo es el nexo de unión entre todos los personajes. Muchos de ellos no llegarán ni a conocerse, pero coincidirán en el cine. Por ejemplo, uno de los grandes planos de la película (el preferido por Tarantino, según desvela en la entrevista anteriormente citada), es el momento en el que Shosanna se apoya en la ventana con forma de ojo de buey y, en el fondo vemos el cartel de una película de Von Hammersmark. Es decir, será el único momento en el que las dos "heroínas" coincidirán bajo un mismo plano, ya que no llegarán ni a conocerse. Las dos conspiradoras miradas por el espectador, bajo ese ventanal en forma de ojo y con el vestido rojo, que anuncia el trágico final. Los bastardos bien posicionados para atentar y el plan de la proyeccionista a punto. El final es impresionante. La película que tenía que ser una exaltación nazi, acaba siendo la proyección de una muerte anunciada. Todo el alto mando nazi morirá agonizando bajo una gran nube de humo, ante la desafiante cara de la protagonista judía en pantalla. Es decir, las cámaras de gas empleadas para exterminar a los judíos, dejarán paso a una gran nube de humo que irá consumiendo las vidas de los alemanes. La proyeccionista, tendrá su último y definitivo encuentro con el actor-héroe-soldado alemán, que acabará, made in Tarantino, sin solución posible.

Toda la élite nazi muere en el cine, simbolizado por esa explosión de la dinamita. Muere por un incendio provocado por el plan de una judía y un negro, quemando las cintas de 35 mm. Sin lugar a dudas, Tarantino juega con el poder del cine, partiendo de personajes, cargos y situaciones reales, para acabar ficcionando la historia. El poder del cine puede cambiar la historia, ya que en el cine no hay leyes de la verosimilitud y así lo entiende Tarantino.

El secreto de sus ojos: una mirada roja y otra negra

2009-09-26T01:50:00.000-07:00

A pesar de que sigo un poco desconectado de todo, cuando puedo me escapo a algún cine bien a 60 kilómetros de donde estoy viviendo, a 100 o a 170. Bien, me habían comentado algunos amigos que El secreto de sus ojos había "pegado" mucho en San Sebastián y decidí aprovechar mi viaje a Valencia para ver esta película argentina. Al final la vi, y se ha ido de vacío en Donosti.

El secreto de sus ojos es una historia que narra un amor imposible de 25 años, entrelazado con un crimen que obsesiona al protagonista y, cuya acción transcurre en la década de los 70, es decir, con el nacimiento de la dictadura. La película dirigida por Juan José Campanella, comienza en los años 90, los dos protagonistas, Ricardo Darín y Soledad Villamil, se vuelven a encontrar con motivo de la escritura de una novela por parte del ex-secretario del juzgado de instrucción. Desde este mometo, la novela relatará un crimen que sucedió hace 25 años y que no ha dejado de obsesionarle. A través de ella, recorremos su vida, veremos sus deseos, sus desaprensiones, sus martirios o su frustación, sentimientos que todos nos remiten al personaje de Villamil.

El secreto de sus ojos hace referencia a varias miradas, sin duda una de las mayores virtudes de la película. El protagonista hace una mirada a toda su vida, donde encuentra el cadáver de Colotto, que mantiene los ojos abiertos y parece estar mirándole. Precisamente, ese crimen le acompañará toda su vida. Después, la mirada obsesiva de Gómez en unas fotos, lo convertirá en el principal sospechoso, la mirada perdida del marido de Colotto, también hará que continúe con su investigación o el descubrimiento del presunto asesino (Gómez), que el director nos lo presentará con esa mirada obsesiva en el interrogatorio. Miradas vacías como las de los protagonistas, que nos transmiten el vacío que sienten por no haberse atrevido a expresar sus sentimientos.

La película también reflexiona sobre la memoria. Una memoria de los personajes que nos ilustrará la violencia que se está fermentando en los años anteriores a la dictadura. La historia de unos juzgados que no paran de enfrentarse a casos, la corrupción en esos juzgados, la violencia en los bares, el crimen... Decía Campanella que "hoy, que estamos recuperando la memoria de los años setenta como país, sabemos que horror comenzó a gestarse antes de la dictadura militar. La historia transcurre en esa Argentina en que el aire comenzaba a espearse, envolviendo y sorprendiendo aun a sus propios protagonistas".

El núcleo central que mueve la película es la historia de amor imposible de los protagonistas. Por este motivo, el director de El hijo de la novia, afirmaba en una entrevista que no "es un film noir". No obstante, el largometraje aúna rasgos del cine negro, del drama romántico y del thriller. La narración es bastante clásica, avanzando la historia conforme avanza el protagonista y "flashbackeando" continúamente. La película más negra del director, continúa con algunos de sus estilemas, como ese toque irónico en momentos dramáticos, casi todos protagonizados por el personaje de Guillermo Francella. En definitiva, una historia interesante sobre dos vidas vacías y sobre la obsesión por un crimen sin resolver.

UP: Mejor desde la melancolía que desde el surrelismo

2009-09-11T08:53:00.001-07:00

Este verano se estrenó en los cines de nuestro país la última película de Pixar. Un film que tiene el honor de haber inaugurado el Festival de Cannes y una compañía premiada estos días en la Mostra de Venecia. Este año, en los Oscars habrán 10 películas nominadas para que así puedan haber candidatas fantásticas o de animación. No me extrañaría que Up estuviera entre una de esas 10 nominadas.

Estamos ante una película de animación/aventuras que mezcla la melancolía y la tristeza con el surrealismo y la acción. La película nos presenta al inicio documentales del cine clásico de los años 30. Podríamos estar ante cualquier película de aventureros, al estilo Clark Gable o Errol Flyn. Entre la proyección en el cine de estos films, se intercala la cara de fascinación del protagonista, Carl. Por si esto no era suficiente, Pete Docter y Bob Peterson nos recalca la emoción de vivir una gran aventura del protagonista a través de sus gafas y su casco de aviador y su diario de aventuras. Pero estos momentos en los que el protagonista sueña despierto, dan paso a un repaso por todo lo que será su vida. En sólo cinco minutos, veremos cómo su vida evoluciona: se casa, no puede tener hijos y su mujer acaba muriendo de anciana. Una música recorre estos momentos totalmente melancólicos y profundamente dramáticos. Finalizada esta evolución temporal, encontramos al protagonista ya anciano viviendo rodeado de obras por no querer vender su casa. Es en ese momento cuando aparecerá un joven explorador que quiere ciudar de él.

Después de una serie de problemáticas con los obreros y ante la orden de que ha de ser ingresado en una residencia, el viejo Carl decide vivir la gran aventura que no ha podido vivir en su vida. Para ello, engancha miles de globos a su casa y emprende un viaje hacia la catarata que siempre ha soñado. El pequeño explorador le acompañará, ya que estaba escondido en la entrada de su casa. A partir de este momento, se inicia el viaje surrealista, en busca de cumplir un sueño que nunca ha podido vivir. El inicio del viaje estará marcado por el desencuentro entre el niño bondadoso y el viejo gruñon.

Recordando, Wall-E, penúltimo estreno de Pixar, hay claros paralelismos. Ya hemos comentado ese inicio melancólico, las referencias al cine clásico o esa segunda parte de película más surrealista. Otra de las grandes similitudes, son los largos silencios del inicio de cada película. Pero, creo que la gran diferencia es que la melancolía de Wall-E se extiende durante una hora y el contexto del año 2700 no parece tan surrealista como el de Up. Wall-E es más humano que robot, por lo que conecta con el público desde el principio hasta el final, rasgo que queda más diluida en la película de Docter. Si Up nos enseña que el paraiso tiene sus dificultades y no es perfecto, Wall-E nos narraba un mundo gris fruto de la actuación del ser humano.

Retomando el tema de la melancolía, Wall-E nos narraba un personaje futuro fascinado por cosas de nuestro pasado. Up nos remite a un personaje en el presente (Russell, el niño), que le recuerda a Carl su pasado. Lo que sucede es que después de ese recuerdo y cuando los dos buscan esa aventura surrealista, el discurso adquiere un tono bastante infantil. La lucha por salvar a ciertas clases de animales, esos perros parlanchines o ese encuentro de Carl con el aventurero al que admiraba cuando era pequeño, que ha dejado de ser su héroe para convertirse en su gran enemigo. Por todo esto, reconozco otra buena apuesta de cine para todos los públicos de Pixar (estas películas de animación que cada vez se dirigen a un público objetivo más amplio), pero creo que la segunda parte de la película pierde muchísima fuerza. En Wall-E creo que también perdía, pero ese maldito robot ya había logrado que el espectador se sintiera identificadísimo con él. Y sólo pronunciando su nombre.

Guía para intentar entender Antichrist

2009-09-08T09:46:00.000-07:00

El pasado viernes 4 de septiembre, vi la nueva película de Lars von Trier, "Antichrist". Han pasado varios días y lejos de no recordar el film, la creación del danés continúa en mi mente sin que pueda dejar de pensar en esta inolvidable película. Cuando finalizaron los poco más de 100 minutos de proyección, el director me dejó noqueado. He visto todo el cine de von Trier y nunca había tenido una sensación similar al final de la proyección. Transcurrida media hora desde el final, inicié una reflexión sobre el film, sobre la que continúo varios días después. Aquí os lanzo una serie de puntos, para mi importantes, que ayudaran a comprender mejor la película. Aviso, que voy a desvelar muchos puntos de la historia, por lo que si no habéis visto el film, os ruego no continuéis.

PRÓLOGO
La película se inicia con un montaje paralelo entre los dos protagonistas practicando el sexo de una forma muy explícita y su hijo abandonando la cuna. Narrado en blanco y negro y con una ópera de Handel de fondo, en los cinco primeros minutos está resumido gran parte de la película. Primeros planos de las caras de los padres, que muestran el placer y el dolor que les acompañará el resto del film. El niño, mientras tanto, abre su cuna y se dirige hacia la ventana, para intentar coger los copos de nieve que van cayendo. Antes de su caída, el niño tirará las tres figuras de plomo que solidificarán todo el relato: el dolor, la desesperación y el desconsuelo de los tres mendigos. Mientras, primerísimos planos del pene del hombre adentrándose en la vagina de la mujer: sexo, placer, dolor, desesperación y desconsuelo. En este epílogo, la narración con cámara hiperlenta, hace que podamos ver con claridad como las gotas de agua rodean las cabezas de los protagonistas, al igual que los copos que rodearán al niño. Si a esto le unimos la otra imagen del film, en el veremos numerosos puntos en la pantalla (hablo del final en el que el marido recrea la constelación de los tres mendigos), veremos tres elementos de la naturaleza, pero que no atienden a ningún tipo de razón. El agua, la nieve y la constelación, que el marido cree descubrir a través de un análisis racional, pero que realmente no existe. Este punto lo retomaremos al hablar de la Crítica del Juicio de Kant. Cabe añadir, que estas gotas de agua, las caras de los protagonistas y el "Déjame llorar", de Handel, nos remiten metafóricamente al llanto, que acompañará a los protagonistas durante todo el relato.

CAPÍTULOS 1 Y 2
Los dos primeros capítulos ahondan en el desconsuelo y el dolor de la madre del niño. Ella entra en un estado depresivo y su marido intenta experimentar con ella. Él es un psicólogo, que cree que no hay que tratar a los familiares, pero que intentará solucionar los problemas de su mujer basándose en la razón. Así, el miedo es un estado que crea la mente de cada uno. Por esto, cree que lo más conveniente es enfrentar a su mujer a sus miedos, que están en Edén, un bosque apartado en el que tienen una cabaña y en el que en el año anterior, ella tuvo que renunciar a escribir su tesis. En estos dos primeros capítulos, se ve la crisis que tenía la pareja. Parecen dos desconocidos, a los que les unían dos elementos: su hijo y el sexo. Con la muerte del primero, sólo les queda el segundo, que será más salvaje y bestia conforme avance el film.

Mientras llegan a Edén, el marido le hace a la mujer una sesión de hipnosis para que esté en contacto con sus miedos. En esta sesión, la figura de Gainsbourg es fantasmagórica, mientras que la cámara de Lars von Trier se sitúa en lugares donde la naturaleza predomina y la observa. El agua, la madriguera, la hierba... El plano que abría el trailer oficial de la película es claramente metafórico. En él, un zoom iba acercándose a la mente de la protagonista, tumbada en la hierba. Si a esto le unimos las palabras de marido, fúndete con la naturaleza, observamos en esta sesión de hipnosis, los dos elementos principales del film: la mente y la naturaleza. El psicólogo intentará durante casi toda la película basarse en la razón y en la argumentación de las cosas de la naturaleza para comprender la maldad que les rodean.

Ya en Edén, las cosas no serán fáciles para el psicólogo, ya que se encuentra con la fuga de su mujer por el miedo al bosque y él, empieza a tener visiones extañas. Lo primero que encuentra es un ciervo abortando a una cría muerta. Lo segundo serán cuervos alimentándose. Tambíen, le atacarán una especie de minisanguijuelas, las bellotas golpearán el tejado y no le dejarán dormir, y su mujer sufrirá para enfrentarse a esos miedos. Retomaremos el final del segundo capítulo al hablar del tercero.

LOS GÉNEROS
Antes de entrar en el capítulo 3, es conveniente recalcar el juego que el director hace con los géneros. Narrado con una atmósfera terrorífica y con una estructura propia de ese tipo de cine (inicio, causa del dolor- desarrollo, aislamiento y potenciamiento del dolor- final, muerte y sangre), no es una película que se pueda adscribir a este género. También tiene coqueteos con el drama, con el thriller, con el thriller psicológico, con la fantástico, con el porno o con el gore. Lars von Trier coquetea con todos ellos, para no adscribir al 100% el relato a un único género. Coincido con Fernández Valentí, cuando habla de un guiño a "El resplandor", de Kubrick, no sólo en el plano de llegada a Edén, sino en ese proceso de destrucción de la pareja en un casa apartada del resto del mundo.

CAPÍTULO 3: CHAOS REIGNS
No me quiero detener excesivamente en este capítulo, ya que sino, me puedo extender en demasía. El capítulo 3 se titula "Dolor", pero viene arrastrado del final del segundo. Se trata de ese momento que arrancó tantas carcajadas en Cannes y, que incluso le valió a Boyero esa comparación de Anticristo con la Warner Bros. En él, la protagonista parece haber superado sus miedos y, éstos se empiezan a apoderar del personaje de Willem Dafoe. Se trata evidentemente del momento en el que él percibe un movimiento en la hierba y se acerca, para enfrentarse a ese miedo que tiene. Allí, le parece ver a un zorro que se está devorando a sí mismo y que se gira diciéndole "El caos reina". La excesiva búsqueda de la razón de todo lo que acontece en la naturaleza, lleva al protagonista a ver sus propios fantasmas. Es decir, él mismo muestra lo que está en su imaginación, a través de un elemento irracional, que es el zorro. Además, este momento supone que un animal se humanice (el hecho de otorgarle elementos humanos), precisamente lo contrario de lo que ocurrirá desde ese momento, que es que lo humano se animalizará. La deshumanización de los personajes llega hasta el punto de que nunca conoceremos el nombre de los mismos. Aunque este sea el final del segundo capítulo, anuncia todo lo que acontecerá durante el tercero, donde el sexo descontralado empezará a apoderarse de los cuerpos de los protagonistas. Una escena impecable de este capítulo, es el momento en el que él rechaza sexualmente a ella porque no quiere pegarle (como ella le reclama). Entonces Gainsboug sale de la casa y se masturba bajo un gran árbol. El personaje de Dafoe sale de la casa, y se produce esa especie de violación bajo las raíces de ese gran árbol, del que brotan extremidades de personas. Sin duda, clara referencia al dolor, al sexo y a la unión entre el ser humano y la naturaleza

LAS ACTRICES DE LARS VON TRIER
El director siempre reflexiona sobre el poder que tiene la figura del cineasta sobre la obra. Precisamente, concibe en casi todas sus películas a las mujeres como elementos a través de los que muestra el martirio, la penitencia, el dolor, la salvación, lo carnal o lo ideal. Además, siempre exprime a las mujeres que dirige, de forma que casi todas lo abandonan al acabar los rodajes y no vuelven a rodar con él. Si en El jefe de todo esto, la obra llevaba al descontrol más absoluto (recordar el sistema aleatorio de medición de luz en las imágenes, Automavisión), pero estando todo absolutamente controlado en última instancia, creo que la película reflexiona sobre el control sobre su actriz descontrolada. Es decir, en el final del film, la actriz se descontrola y pretende hacer de su marido un esclavo sexual. Sin embargo, pese al descontrol que se le presenta al personaje de Dafoe, consigue volver a enderezar el rumbo de la película y se deshace de ella. Es otro elemento de controlar el descontrol "bestial" que se produce en la obra.

CAPÍTULO 4: LOS TRES MENDIGOS
Muchos espectadores, al acabar la película, se habrán planteado ¿quiénes son los tres mendigos? Los tres mendigos son los portadores siniestros del lado oscuro de la naturaleza, aquellos mensajeros que construyen el relato y que aunque no tengan explicación lógica, se encuentran presentes en la naturaleza desde los inicios de la humanidad. En el final de la película, el sexo y la sangre va cobrando importancia. Ella se convierte en una bestia, totalmente animal, que pretende convertir a su marido en su esclavo sexual (hay que recordar la figura de Nicole Kidman en Dogville).

Después de que Gainsbourg deje inconsciente a su marido golpeando mientras practican el sexo, ella le taladra la pierna y le engancha una rueda de piedra para que no pueda escapar. Cuando se despierta él, intenta escapar y se esconde en la madriguera. Ella le localiza y, como ya ha pasado su ansia sexual,basada en instintos totalmente primarios, le ayuda a volver a casa. Aquí viene la escena más impactante del film, que es la automutilación del clítoris con unas tijeras. Este hecho, ilustra la única opción de acabar con ese deseo sexual que le convierte en una bestia. Además, ese sexo es el origen de la maldad humana, y del dolor de la película, por lo que es una especie de castido. Durmiendo en el suelo, el marido se despierta y consigue deshacerse de la piedra que tiene en la pierna. Antes del combate final, todos los animales que se han visto a lo largo del film, entran a la cabaña para refugiarse de la lluvia. La naturaleza se refugia de la naturaleza. Él estrangula a su mujer y la quema. Precisamente, así fundirá el cuerpo de su mujer con la naturaleza.

EPÍLOGO
Él abandona Edén, malherido. Vuelven las imágenes en blanco y negro, como en el inicio. Su lucha contra la naturaleza y la mujer ha finalizado. De este modo, cree ver a un montón de mujeres desnudas que ascienden por el montículo, pero que no le hacen caso. Es una especie de "pastoral femenina", según Fernández Valentí, en la que el hombre ya no tiene lugar. La película se cierra con la dedicatoria a Tarkovski, que tantas risas provocó en Cannes. Considero, que te guste o no la película, la dedicatoria al maestro soviético está bastante fundamentada. Y lo digo, sin conocer gran parte de la obra de este director, pero viendo claras referencias entre esta atmósfera creada y la abstracción con El espejo o la sombría visión del ser humano de Sacrificio. También creo que le podía haber dedicado la película a Dreyer, aunque igual hubiera arrancado más carcajadas. Sin duda, es la película de Lars von Trier que más le acerca al cine de sus maestros.

CRÍTICA DEL JUICIO: DE KANT A LARS VON TRIER
He aquí una de las cuestiones más importantes del film de Lars von Trier y que más me ha hecho reflexionar.

La razón no debe pretender explicar como teleológica toda ciencia de la
naturaleza; hablo de cierto poder que tiene la naturaleza de producir
figuras que muestran la finalidad para nuestra simple aprehensión: es
necesario que se limite siempre a mirarla cómo mecánicamente posible (Emmanuel Kant, Crítica del Juicio, 1790. Págs. 145-147)

Kant fue el primer filósofo que separó la razón del estudio de las causas de la naturaleza. Pensamiento (razón) y mundo (naturaleza) pueden tener sus propias leyes y que no lleguen a coincidir. Anticristo propone una reflexión sobre la posible unión entre la razón y la naturaleza. Esta unión es la única que entiende el personaje de Dafoe. Además, no sólo no la consigue, sino que cuando parece más cercana, es cuando el caos reina. Es decir, cuando la mujer parece haber superado sus miedos, el marido ve al zorro que habla y pasamos al capítulo 4, dónde se produce esa lucha entre los dos personajes. Retomo una cuestión que he mencionado al inicio, que es el paralelismo creado entre el agua, la nieve y las estrellas. Estos tres planos en los que la imagen se llena de puntos blancos, no hacen más que reforzar la idea de que estamos ante elementos naturales que han acompañado a la humanidad a lo largo de la historia. Sobre todo, la importancia de los Tres mendigos, reside en ese debate existente desde hace siglos, sobre el papel de la Tierra y las estrellas que le rodean. El marido se basa en sus pensamiento para otorgarle una gran importancia al momento en el que aparece la constelación, es decir, sigue uniendo su razón y la naturaleza. Es en este momento cuando se deja llevar por sus instintos primarios y mata a su mujer.

EL ANTICRISTO

Llegados a este punto, ¿quién es el Anticristo? Antes de ver la película, el cartel parecía anunciar que sería el personaje de Gainsbourg. Pero, el cine de Lars von Trier no se basa, precisamente, en evidencias. Si retomamos la figura Kant, en el mismo texto citado y enlazado con anterioridad, éste defendía que "no podemos considerar que la naturaleza constituye para nosotros un sistema, que podemos mirar como posible, tanto por el principio de las causas físicas como por el de las causas finales". La figura del Anticristo, según la Biblia, aparecerá con la decadencia de los valores y de la moral y que está asociado a la figura del Apocalipsis. De esta forma, si la filosofía de Kant se basa en que "la razón no debe pretender como teleológica toda ciencia de la naturaleza", podemos entender que el Anticristo no es explicable desde esta concepción de la razón. Por esto, podemos decir que la figura del Anticristo está presente en el relato con dibujos, actitudes o teorías conspirativas (la espera a que lleguen los Tres Mendigos), pero que no provoca el Apocalipsis y que el propio debate sobre la cuestión principal del film, se decanta por esa inexistencia.

Resumiendo, película complejísima de Lars von Trier en la que debate sobre el origen de la maldad (los personajes representan el origen de la maldad, volviendo a Edén), sobre los dioses y los monstruos, leyendas y mitos y la naturaleza y mente. Otra obra maestra.

Vuelve Venecia, intentaré volver yo

2009-09-02T10:01:00.000-07:00

Hoy se abre la Mostra de Venecia e intentaré volver a la rutina de antes del mes de julio. Algunos ya saben que ahora no estoy en el paro, por lo que me resulta más difícil mantener el ritmo de actualizaciones que llevaba antes de verano. No obstante, me comprometo a seguir actualizando de una forma periódica a partir del 14 de septiembre, que tendré menos trabajo. El viernes me voy a Valencia para ver Antichrist, que ya me muero de ganas, y más leyendo fragmentos de la crítica del gran blog de Xavi Vidal.

Al asunto que me enrollo un montón. Hoy se ha inaugurado la Mostra de Venecia, uno de los festivales más importantes de Europa. Las grandes novedades de la presente edición, son que Ang Lee, ganador del León de Oro en dos ocasiones, por Brockeback Mountain y Deseo Peligro, será el director del jurado. John Lasseter, recibirá el León de Oro por la trayectoria de Pixar (aprovachando este premio, me permitiré hacer una crítica de Up la semana que viene, que no me entusiasmó, pero es una de las pocas películas que he visto este verano). Y, la novedad más increible es que se premiará a Sylvester Stallone, según los responsables del Certamen "se trata de un premio que pretende reconocer la dimensión de cineasta de Sylvester Stallone, autor de un cine visiblemente muy original y lleno de ternura (también cuando corre la sangre)". Yo creo que esta definición es tan ambigua y sorpredente como el cine de Lars von Trier. Más premios, el Jaeger-LeCoultre Glory to the Filmmaker Award, que toma su nombre del fabricante de relojes de lujo suizos, fue entregado anteriormente al japonés Takeshi Kitano, la francesa Agnes Varda y el iraní Abbas Kiarostami.

Inauguración

El director que ha tenido el honor de inaugurar la 66 edición de la Mostra de Venecia ha sido Giusseppe Tornatore. El director de 53 años, presentó una de las películas más costosas de la historia del cine italiano, 25 millones de euros. "Baaria", se ambienta en la época nazi de Italia, en el pueblo del mismo nombre de la película y recorre tres generaciones distintas. Se abordan los momentos anteriores a la II Guerra Mundial, la guerra y los años posteriores a la misma. La verdad es que ha tenido una acogida muy fría, a pesar de ser la primera película que abría la Mostra en los últimos 20 años. La verdad, es que desconozco bastante el cine de Tornatore, pero no recuerdo ninguna película de él que me haya entusiasmado, al margen de "Cinema Paradiso". Esto eran sus inicios, cuando hacía películas modestas que no utilizan a 35.000 extras, como hace ahora.

La representación española también ha querido presentarse a lo grande, el primer día. Dos de las tres películas españolas que se estrenarán, se han presentado y parece que han tenido buena acogido (o al menos es lo que se lee en todos los medios). Jaume Balagueró y Paco Plaza han presentado su "REC 2", que parece que opta por fórmulas muy similares a la primera. El mismo edificio de Barcelona, los mismos seres extraños y la misma presentadora adentrándose en el fondo de la noticia. La diferencia es que ahora son también los GEOS los que se adentrarán en el edificio. Buena acogida y remake made in USA asegurado. Si no, tiempo al tiempo. La otra película española que se ha estrenado es Celda 211, película de Daniel Monzón, un director que hasta la fecha no ha destacado por su gran calidad. Se trata de un drama carcelario, en el que se produce un motín. El funcionario de prisiones, con temor a perder la vida, se une al motín, junto a un cóctel explosivos de presos: etarras, polícias, traficantes...

Del resto de días, destacamos la presencia de Werner Herzog, Michael Moore, George A. Romero, o la segunda película de Daniel Sánchez Arévalo. Listado de películas y premios.

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: El director y los Oscars (VII)

2009-07-06T10:57:00.000-07:00

La huella: El juego de Mankiewicz con el espectador

(Todos sus premios)
Un hombre (Michael Caine) va a visitar a su suegro (Laurence Oliver) porque este le ha llamado para proponerle un plan. Los dos actores se ven en el jardín de la mansión de éste, y entablan una conversación. Inmediatamente entran a la mansión y empieza el juego. Oliver le propone un plan a Caine para poder robar en su casa y, así, cobrar mediante el seguro. Desde este momento empieza la partida.

La huella es una de las películas que mejor resume el cine de Mankiewicz. Todas los estilemas y temas tratados en su cine, están presentes en su última película. La reflexión sobre la interpretación y el teatro, esa especie de maquinación de un plan por parte de un personaje y su posterior fracaso, la originalidad de los diálogos o la impoluta puesta en escena, articularán esta batalla actoral. Precisamente, es muy interesante la puesta en escena de esta película. Prácticamente, en toda la película sólo aparecen dos personajes y la mansión. En ésta, los dos actuarán en el salón o en el primer piso. Así, el sótano y el jardín, se convierten en el backstage. Primero hablan distendidamente antes de entrar a la casa y, cuando bajan al sótano, es para cambiarse, esconder ropa o prepararse sus personajes. Esto queda reforzado con los cuadros que se pueden ver de teatros, que abrirán y cerrarán la película.

(Escena de La Huella)

En el escenario, numerosos elementos que sirven para definir al personaje de Oliver y para reforzar el discurso. Él es un escritor de novela negra, apasionado por el juego y las adivinanzas. Lo único que quiere es divertirse, y sólo lo puede hacer sólo, con sus muñecos, con sus juegos o con su billar, ya que no goza de la compañía de nadie. A partir de la explicación del plan, veremos todos los elementos típicos de la novela negra: máscaras, interrogatorios, pistolas, sangre, planes, delitos... todo condensado en los juegos que se plantean los personajes. De entre todos los acertijos y juegos que se plantean, el que destaca es el que hace el director con el espectador. A través de los diálogos y de los giros del guión, el espectador está continuamente descolocado y contrariado. A esto también contribuye la siniestra puesta en escena a la que está siendo sometido (entendiendo siniestro cómo aquello con aspecto familiar que se escapa de lo familiar y nos incomoda). Los muñecos y los juegos no nos divierten. Se observan como objetos amenazantes. Están continuamente contribuyendo al juego de uno y otro. Ayudan a reírse del otro, a humillarlo, a dejarlo en evidencia y, nos incomodan.

Los dos actores obtuvieron una merecida nominación a los Oscars. No sólo interpretan a un pequeño empresario y a un escritor, sino que van adoptando distintas identidades a lo largo de la película. Están haciendo que el personaje al que interpretan, interprete a otros, por lo que Mankiewicz reflexiona sobre la interpretación y el teatro. Esto contribuye a que el espectador este sometido continuamente al juego del director. Además, ambos se baten en un magnífico duelo interpretativo. En esta ocasión, no sólo que es el personaje el que teje una telaraña para conseguir un objetivo, sino que también el director mankina un plan por el tiene atrapado al espectador desde el inicio. Mankiewicz se despidió del mundo de la dirección tal y como empezó, reflexionando sobre la interpretación y explicitándonos su amor al teatro.

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: el director y los Oscars (VI)

2009-07-04T09:45:00.000-07:00

Cleopatra: cómo convertir una superproducción de encargo en una película de autor

(Todos sus premios)

J.L. Mankiewicz recibió el encargo de dirigir Cleopatra después del despido de Mamoulian, con la responsabilidad de hacerse cargo de la película más cara de la historia antes de empezar a rodarla. Pero si la película se caracteriza por algo, es por el sello que le puso el director. La fluidez y originalidad de los diálogos, las elipsis a través de la voz en off, los cuadros que se convierten en imagen, la importancia de la mujer, el plan de Cleopatra, la cuidadísima puesta en escena... Mankiewicz consideraba que al quitar tantas escenas del primer montaje, la película no era tan suya. Es posible, pero las elipsis que se producen en algunos puntos, enriquecen aún más a la película. Para la memoria quedan muchas cosas, como todos los decorados que se construyeron y que nos trasladan de una forma magistral al Antiguo Egipto. Como ejemplo, de todo el montante que rodea a Cleopatra, las escena en la que quedan mejor resumidos los Oscars a las categorías técnicas que recibió, es la de la entrada de Cleopatra como mujer del César. Decorado, fotografía, figurantes, vestuario... Todo el lujo y el montante económico están resumidos en esta escena.

Cleopatra es una mujer bella, seductora, inteligente, calculadora y caprichosa. Precisamente, unos rasgos que muy bien definían a Elizabeth Taylor. Ella, es la serpiente del Nilo, una poderosa reina. Cleopatra traza un plan para seducir al César romano, casarse con él y tener un hijo en común, para legitimar el enlace. El poder y la fortuna es su razón de ser, y siempre consigue que todos estén a sus pies. Pero, a la muerte del César, su posición peligra.
Una muerte ya mostrada en el cine por Mankiewicz, con su Julio César. Pero la forma en que la vuelve a narrar es extraordinaria. Todo lo vemos a través de los ojos de Cleopatra. Ojos que ya vigilaron al César, ojos que están controlando todo lo que ocurre en Roma, aunque no esté presente. Esa especie de ensoñación, sirve para mostrarnos la muerte de una forma muy similar a la ya citada Julio César. Sus hombres se revelarán contra él por la ambición y el poder, bajo la estatua de Pompeya. Incluso la escalinata del funeral es muy similar a aquella por la agitaba a las masas Marlon Brando. El César será incinerado, Cleopatra nunca podrá morir así. Ella tendrá que morir con toda su riqueza, como bien se extrae de sus palabras.
Hay un nuevo César, y viendo que Roma depende de Egipto para conseguir oro y algunas mercancías, sabe que no puede estar del todo tranquila. Así, se enamora de Marco Antonio, fiel mano derecha de su ex-marido. La pasión entre Taylor y Richard Burton es una prolongación de la que tenían en la realidad. Por ello, el fervor con el que se miran, humaniza mucho más a ambos personajes. Pero Cleopatra siempre sabe que necesita y cómo ha de actuar para superar los problemas que se le plantean en esta relación. Es una encantadora, sacrificará vidas por mantener su imperio y controlará siempre sus impulsos. Al final, cuando no tendrá más salida, no se dejará amilanar por los romanos. Ella es una reina, una dictadora y la jefa de un Imperio. Por ello, no va a rendirse ante nadie. La metáfora final con la imagen de la serpiente le define. Ella ha puesto el veneno desde el primer momento en la película, y ese mismo líquido le ha hecho hacer lo correcto, como dice una de sus criadas. Era la serpiente del Nilo, la víbora del Antiguo Egipto.

100 años del nacimiento de Mankiewicz: el director y los Oscars (V)

2009-07-01T00:05:00.000-07:00

La producción de Cleopatra: los números rojos acecharon a la Fox y a la salud de Mankiewicz

Cleopatra sigue siendo hoy en día la película más cara de la historia. La verdad es que su rodaje se ha convertido en uno de los más famosos de la historia, ya que numerosas incidencias hicieron que fuera un milagro el realizar la película. Pero vayamos por partes.

La Fox intuía que Cleopatra se podía convertir en un gran éxito, ya que en 1960 el cine de época estaba en pleno auge. Así, que buscaron a un productor para abordar una superproducción. El elegido fue Walter Wanger, que había ganado un Oscar por Juana de Arco y siempre había soñado con producir esta historia. Una vez aceptado el cargo, un buen día volvió a casa y se encontró a su mujer acostándose con su agente, por lo que no dudó en coger una pistola y disparar a los testículos del amante de su mujer. Tuvo que cumplir una condena por intento de asesinato de varios meses. Pero la Fox no encontró nuevos productores, así que se esperó a que Wanger saliera de prisión. Una vez se puso al mando del proyecto, se dio cuenta de que no era la película que siempre había querido dirigir. Así que se decidió por contratar a actores de renombre y hacer grandes decorados.

El poder de Liz Taylor

La actriz que eligió para el rodaje fue Elizabeth Taylor. No obstante, la actriz no quería el papel, así que cuando recibió la propuesta, hizo una oferta imposible: no rodar en Estados Unidos, cobrar un millón de dólares, que se contratara a su marido (Eddie Fisher), rodar con un tipo de objetivos concretos... La sorpresa fue que Wanger después de escuchar sus deseos le dijo que estaba hecho.

El reparto se completó con Peter Finch, Stephen Boyd y Keith Baxter. Para dirigir el film se pensó en Rouben Mamoulian. El equipo se desplazó a Londres y se construyeron todos los decorados. La sorpresa para el director, fue que el guión no estaba adaptado. No había diálogos en todo el guión, era una película muda. Entonces se decidió contratar a Nunnally Johnson, que era uno de los guionistas más importantes de Hollywood. Pero esta decisión no se le consultó al director, que cuando vio al guionista en Londres, no quiso saber nada de él. Así, Johnson se marchó, pero antes cobró los 140000 dólares del contrato.

A finales de los 60, parecía que todo estaba previsto para comenzar a rodar, pero una inoportuna neomonía dejó a Liz Taylor en un hospital. El rodaje no podía comenzar sin la actriz. Pero mientras se le esperaba, la lluvia fue destruyendo alguno de los decorados, que tuvo que volver a rehacerse.

En enero del 61, Elizabeth Taylor se recuperó y, por fin, podía iniciarse el rodaje. No obstante, las primeras chispas entre la actriz y el director saltaron enseguida. El conflicto deparó en un todo o nada. La actriz se negó a aparecer hasta que se despidiera al director, y éste quería que se cambiara de actriz. Liz Taylor venció y propuso como nuevo director a Mankiewicz, con el que venía de trabajar en De repente el último verano.

Mankiewicz al mando

La primera decisión de Mankiewicz fue que se abandonara Londres. Era lo más lógico. El Sol de Egipto era difícil encontrarlo en la capital del Reino Unido. Así, como no se podía volver a Estados Unidos, todo el equipo se desplazó a los estudios de Cineccità, en Italia. Después, se cambiaron a los actores: Rex Harrison y Richard Burton eran los nuevos protagonistas. Otros pasos importantes, fueron la reconstrucción de todos los decorados y la reelaboración del guión. Como también se puede deducir de esto, el rodaje se volvió a retrasar. A pesar de retraso, a Mankiewicz no le dio tiempo a reelaborar todo el guión, por lo que como no había tiempo que perder, se optó por escribir y rodar sobre la marcha.

(Trailer de Cleopatra, en inglés)

Los productores de la Fox empezaron a presionar, ya que en esos momentos, Cleopata ya era la película más cara de la historia hasta entonces, y no se había rodado ni una escena. Esto, unido a la huelga de figurantes femeninas, que protestaron porque los italianos les acosaban al ir muy descubiertas, propició otro retraso.

Cuando las cosas se estabilizaron y todo parecía que sería normal, saltó la bomba. Elisabeth Taylor y Richard Burton se liaron. Lo que convirtió el estudio en una constante plaga de paparazzis. Además, los dos actores empezaron una guerra, y se hacían la vida imposible. Es decir, Burton se tiró a la bebida, Taylor había días que no aparecía, no interpretaban bien sus personajes... La prensa empezó a atacar a la actriz e, incluso el Vaticano elaboró un comunicado en el que se decía que todo buen católico no podía ver sus películas porque era inmoral. La Fox temblaba, porque la película podía convertirse en una bomba, pero la gente adoraba a Elisabeth Taylor.

Cuando quedaba poco para acabar con el rodaje, se le pidieron las cuentas a Wanger, que éste intentó falsificar. La productora lo descubrió y decidió despedirlo. Él no se quería ir, porque Cleopatra era su sueño, por lo que se pagó el resto de la estancia.

La postproducción

Zanuck, presidente de la 20th Century Fox, pidió un millón de dólares para acabar el rodaje de El día más largo, pero la compañía se lo negó porque todo el presupuesto iba destinado a Cleopatra. Entonces, exigió a Mankiewicz que acabara el rodaje de inmediato. Cuando Zanuck pudo estrenar El día más largo, consiguió dinero para poder retrasar el estreno de Cleopatra.

Mankiewicz quería hacer dos películas de tres horas de duración cada una. La primera sería César y Cleopatra y la segunda Marco Antonio y Cleopatra. Zanuck se negó, ya que la relación entre Taylor y Burton estaba en plena efervescencia, por lo que retrasar la película en la que aparecía el actor era inviable. Mankiewicz hizo caso y montó una sóla película, que duraba seis horas y media. Evidentemente, lo que hizo fue pegar las dos. Zanuck furioso le despidió y dijo que él mismo acabaría el montaje. A los dos días no tuvo más remedio que volver a contratarlo. La primera reducción de la cinta, dejó a la película en cinco horas. Aún seguía siendo demasiado larga. Desde ese momento, el director supo que la película no iba a ser lo que el quería, y tuvo que dejarla en cuatro horas.

Por fin, en junio de 1963, se estrenó la película, que fue un éxito en taquilla. Pero el éxito tuvo una recaudación de 14 millones de dólares el pimer año, por los 44 que costó en total.

Concluyendo, la 20th Century Fox tuvo que producir películas de serie B en los siguientes años para poder subsistir, hasta el éxito de Sonrisas y lágrimas. Pero peor le fue a Mankiewicz, que ya acabó el rodaje fue castigado y recurriendo al uso de drogas para calmar sus ataques de nervios, ya que se pasó cinco años sin dirigir ninguna película más.

Charles Chaplin soñó con ser El gran Napoleón

2009-06-29T02:46:00.000-07:00

Este fin de semana, la investigadora Cecillia Cenciarelli encontró en los archivos personales del actor de la cinemateca de Bolonia, numerosos textos acerca de Napoleón Bonaparte. En los próximos días, Ceciarelli comparecerá en rueda de prensa para mencionar con más exactitud los contenidos de esos documentos, aunque ya adelantó que hacían referencia a "estructuras de escenas, contratos y detelles técnicos" del rodaje de una película sobre este conquistador.
Sin duda, a todos los amantes del cine de Chaplin, esta noticia le devuelve a la mente esa interpretación de Adenoid Hynkel en El gran dictador. Una película por la que obtuvo cinco nominaciones a los Oscars (película, actor principal, actor de reparto, guión original y banda sonora). Considerado como uno de los mejores films de la historia, Chaplin nos propone un contraste extremo de personajes, entre un judío obrero y veterano de la Gran Guerra que ha perdido la memoria y aparece en un gueto y un dictador que destaca por su nula inteligencia, ambos caracterizados por el propio director. El mayor atrevimiento de la película, es que parodiza a Adolf Hitler y por ende, a todo el nacionalsocialismo, precisamente cuando aún era un movimiento que gobernaba en algunos países. La producción del film no fue sencilla, ya que muchos de los encargados de esta tarea decidieron abandonar el rodaje, ya que consideraban que no era el momento más oportuno de realizar este film. El propio Chaplin asumió el coste del rodaje y consiguió que se estrenara a finales de 1940. Precisamente, meses antes del inicio de la Segunda Guerra mundial. Evidentemente, hasta la caída de Hitler, no se pudo ver esta película en Europa. Otros países como España tuvieron que esperar a la muerte de Franco y aún hoy en día esta censurada en algún país menor.

La película supone una reivindicación a la libertad y la democracia. La sátira del dictador es mordaz, con escenas que han pasado a la historia como la del globo terráqueo. Una escena en la que vemos al dictador jugar con el mundo, una clara representación del poder, del juego que supone menear a tu antojo el mundo, pero este planeta se acaba rompiendo. Es como un todo o nada, como un niño con un helado, un placer hasta que se cae la bola al suelo.
"Si yo hubiera tenido conocimiento de los horrores de los campos de concentración alemanes, no habría podido rodar El gran dictador: no habría tomado a burla la demencia homicida de los nazis". Charles Chaplin, en sus memorias

Siempre hay algún crítico con él, y cierto es que la película está rodada en unos años en los se sucedieron distintos exterminios en campos de concentración judíos. Aunque también es cierto, que ninguno de éstos fue comparable al genocidio de 1942, en el que se eliminaron a seis millones de judíos.

De todas formas, Chaplin pretende que el público se ría con y de Hitler, por lo que no se puede criticar su atrevimiento. La película es un canto a la libertad, y aún hoy en día, cuando un espectador la ve, puede observar su grandeza y reconocerle el mérito que tiene la empresa que adoptó, allá por 1940.

Como imaginar es gratuito, ya me estoy pensando en cómo hubiera sido ese personaje de Napoleón que intentó adaptar. La película arrancaba con el conquistador exiliado en la isla de Santa Elena, reflexionando sobre su existencia y condenado a una muerte en el olvido. Chaplin, regresaría a Francia y se convertiría en un profesor pacifista. Pero, poco a poco recobraría su espíritu conquistador e iniciaría otra revolución. Sin duda, la reflexión sobre el poder y la dificultad sobre modificar unos pensamientos estarían presentes en este film.
Conocida esta noticia, imagino que nos hemos perdido otra gran interpretación de Chaplin y, aunque sin él nunca será lo mismo, creo que en un tiempo alguien recogerá sus archivos y hará esa película que Chaplin nunca logró rodar. No será lo mismo sin el genio judío, pero sabremos que pretendía este maestro.

Si queréis saber más sobre Chaplin, aquí os dejo un blog sobre él.

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: el director y los Oscars (IV)

2009-06-28T00:00:00.000-07:00

Julio César: Un duelo dialéctico-interpretativo por Roma

(Todos sus premios)

Julio César es una obra que narra la lucha por el poder, el egoísmo humano, el desengaño, la manipulación, el poder del César en la era romana... Temás muy presentes en todo el cine de J.L. Mankiewicz. No obstante, el director nos vuelve a plantear esa estética teatral en muchos momentos(ganó el Oscar a mejor dirección artística), entre el que destaca la batalla dialéctica en busca del fervor de la masa entre Marco Antonio (Marlon Brando) y Bruto (James Mason). A esta lucha por convencer a la masa social romana se llega por el asesinato del César a manos de Bruto y los que serán sus secuaces posteriormente. Una vez asesinado el mandamás del Imperio, se llama a Marco Antonio, para decirle que ha sido por el bien del pueblo. Marco Antonio, fiel servidor y amigo del César, dará la mano a todos los asesinos y sólo les pedirá que le dejen decir unas palabras en el funeral.

Es este el momento más destacable del film. Bruto agitará a la masa y conseguirá que todos entiendan que la muerte del César es lo mejor para Roma, ya que así dejarán de ser esclavos. Una vez finalizado el discurso, con todos los plebeyos a sus pies, abre la puerta Marco Antonio y desciende las escaleras con el cadáver del César.

(Discurso de Marco Antonio)

El discurso será demoledor. Honrará irónicamente de forma constante a todos los asesinos y, obtará por humanizar al César. El duelo dialéctico- interpretativo (no sólo estamos ante un duelo por el poder, por las ideas y por la muerte, sino que la interpretación de ambos, especialmente la de Brando, es increíble) se centrará en el concepto de ambición. ¿Quién es realmente el ambicioso? ¿Marco Antonio, Bruto o el César? La conclusión es que la ambición ha llevado a los sublevadores a cometer el asesinato, pero ninguna de estas tres figuras destaca por su ambición. Los conspiradores sí que querían el poder a toda costa, pero Bruto parece ser que realmente creía que la muerte del César iba a ser buena para Roma.

Esta característica no se ve sólo en la última escena, que será la segunda en la coincidan Bruto y Marco Antonio, sino que queda reflejado en ese espíritu del César que se le presenta a Bruto en dos ocasiones. Esa especie de fantasma es su intranquila conciencia, que le dictará hasta donde llegará. Precisamente, si entendemos que este fantasma es su conciencia, veremos que él tiene depósitadas escasas esperanzas en conseguir ese trono de Roma.

Resumiendo, Julio César es la primera película de época de Mankiewicz, y consigue adaptarla perfectamente. Es una película más clásica que Carta a tres esposas o Eva al desnudo, pero en ella se vuelven a encontrar los temas recurrentes de su cine. Los diálogos vuelven a ser importantísimos, pero son más largos que de costumbre. Por eso la excelente dirección actoral ayuda a que la película sea muy digerible. En definitiva, el director nos vuelve a mostrar su talento, pero en esta ocasión mediante una tragedia shakespeariana.

(Aquí os paso un blog en el que están transcritos los discursos de Marco Antonio y Bruto)

Oscars 2010: Vuelta a los orígenes

2009-06-26T00:30:00.000-07:00

Esta semana se ha anunciado que en la gala del año que viene de los Oscars, competirán 10 películas por el máximo galardón y no 5. Esto supone una vuelta a los orígenes, a esos inicios de principios de los años 30 en que la cantidad de películas nominadas era variable. Así, encontramos unos años en los que compitieron entre 7 y 12 películas. La última edición en la que hubo 10 nominados, fue la de 1944, en la que las triunfadoras fueron Casablanca (3 premios: película, director y guión) y La canción de Bernardette (4 premios: actriz principal, fotografía, dirección artística y banda sonora).

La Academia ha justificado esta decisión porque así, es más sencillo que películas de animación o fantásticas puedan obtar al máximo premio. Sin duda, que El caballero oscuro y Wall-E no consiguieran esta nominación ha afectado a esta decisión.

Ahora, me planteo yo, ¿significa que si este año hubieran estado nominadas estas películas, hubiera variado el nombre de ganadores? Evidentemente no. Por lo que el pilar sobre el que se sustenta esta decisión, es la política económica. La recaudación en taquilla está cayendo año tras año, hecho que hace que se busquen nuevas medidas para recaudar más dinero. Con esta decisión, es posible que se consiga aumentar la recaudación de alguna de estas películas. ¿Se acuerdan del caso de La Soledad en España? Fue una película totalmente despreciada por los exhibidores. Una vez que estuvo nominada a los Goya, la inquietud de los espectadores por verla fue in crescendo y, cuando ganó, se reestrenó y consiguió una buena recaudación. Es un ejemplo muy extremo, pero que nos ayuda a entender por donde van los tiros.

Después de esta reflexión, me pregunto, si se nominan diez películas y cinco directores, ¿cuáles serán las favoritas para el triunfo final? Y, si de las cinco, dos se alzan con la mayoría de premios que anteceden a los Oscars, tendremos el mismo panorama que todos los años. 2 favoritas y tres películas con alguna opción a dar la sorpresa. Lo único es que este año, se le añadirán cinco más que no entrarán en ninguna quiniela para vencer, pero que posiblemente, den a la gala más audiencia. Ya veréis que bien queda eso de "esta es la primera película de animación que opta a mejor película" (ojo con Up, tiene todas las papeletas) u otra cosa similar. Sea como fuere, Hollywood es Hollywood.

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: el director y los Oscars (III)

2009-06-25T02:45:00.000-07:00

Eva al desnudo: magistral reflexión sobre la interpretación
(Todos sus premios)
J.L. Mankiewicz, expone en Eva al desnudo gran parte de los temas recurrentes en su cine. La manipulación, la reflexión sobre el teatro y la interpretación, el fracaso de los que manipuladores, los odios, las venganzas... All about Eve es el mejor ejemplo para entender el cine de este director. Considerada por muchos, una de las mejores películas de la historia, todavía hoy ostenta el récord de nominaciones a los Oscar (sólo iguala sus 14, Titanic), de los cuales ganó seis, que le convirtieron en la ganadora indiscutible de los Oscar de 1951, pero que supieron a poco.
Ya desde el inicio, se nos presentan todos los temas de los que hablará la pelicula. En esta secuencia que tenéis abajo, se puede observar como Margo Channing (Bette Davis) critica a sus admiradores. Ante esa excelente interpretación (tanto en el sentido de interpretar a un personaje, como en el de mentir acerca de lo que está diciendo), el marido de Celeste Holm no puede hacer otra cosa que aplaudirle cómicamente. Sólo en este minuto, vemos la reflexión sobre la interpretación, la propia interpretación de la actriz, tanto en los camerino como en el escenario, ya que se deduce que ese comportamiento no va a ser igual en el escenario y, posteriormente, conoceremos a Eva Harrintong (Anne Baxter), que interpreta (como Davis) a su personaje, ya que está mintiendo descaradamente para poder estar cerca de la actriz. Mientras vemos la gran interpretación de Eva, esa especie de ogro, que se nos ha presentado al inicio (Margo) vemos que es sensible. La única que no se traga a Eva es la criada, que la considera una amenaza a su trabajo.

Desde este momento, se crea una corta amistad entre las dos protagonistas, que irá convirtiéndose en desconfianza, conforme avance el relato. Otra de las grandes escenas de la película es la de la fiesta en casa de Margo. Allí, se crea el primer gran enfrentamiento entre estas actrices. "Abróchense bien los cinturones. Se presenta una noche de lo más movida", dice una Margo ebria a los asistentes. Esta fiesta no sólo supone el fin entre la amistad de las dos, sino que hace que, ante el comportamiento de Margo, sus amigos fomenten más la amistad con Eva. Pero hay dos personajes que también destacan en la fiesta: George Sanders y Marilyn Monroe. La jovencísima Marilyn, interpreta a una aspirante a actriz cuya única misión en la fiesta es seducir a los productores para ganarse una oportunidad. Ese intento incesante, a toda costa, de conseguir una oportunidad, será el papel que desempeñará Eva desde ese instante. Mientras, el crítico se convierte en una figura importante durante el resto del film. Él es la voz del director, es lo que piensa Mankiewicz en cualquier momento, será el que catapultará a una actriz, el que buscará el hundimiento de la otra, pero representará la importancia de la crítica en ese mundo del espectáculo y el ser que frío y calculador que desenmascara a Eva.

(Final de la película, en inglés)
Al final, los odios van en aumento, pero el triunfo de una no le conllevará a la plena felicidad. Su situación es la de muchas actrices, que buscan el éxito a cualquier precio. El último plano de la película, es excepcional. Una actriz está trazando un plan para similar al de Eva. Entra a su habitación, le sorprende y, después, se pone el abrigo de Eva (ya lo hizo ella cuando soñaba con el papel de Margo), coge el trofeo y se mira al espejo. Un reflejo que es la imagen de miles de actrices, un sueño que todas quieren, pero que no es sinónimo de felicidad. Es una metáfora que aglutina muchas de las cosas que se han visto a lo largo de más de dos horas. Es otro de esos finales aparentemente felices, pero devastadores. Es otro final Made in Mankiewicz.

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: el director y los Oscars (II)

2009-06-24T00:00:00.000-07:00

Rodaje de Eva al desnudo: ¿interpretando a los personajes, o trasladando a la pantalla la realidad?

Darryl F. Zanuck, productor de Eva al desnudo, sabía que para que esta película tuviera éxito, tenía que respetar el plan de rodaje, que se iniciaría en abril de 1950. Para los papeles protagonistas, él había pensado en Marlene Dietrich, Jose Ferrer y Jeanne Crain en el papel de Eva. Mankiewicz se opuso, y no tardó en lanzar sus nombres. Una jovencísima Anne Baxter (26 años tenía) y Celeste Holm, que ya había puesto la voz a Addie en Carta a tres esposas, acompañarían Merrill, Marlowe, Ritter, Sanders y a Claudette Colbert que haría de Eva. La desgracia hizo que la actriz protagonista del film se hiciera daño en la columna en los últimos días de rodaje de Three Came Home.
En seguida, hubo un gabinete de crisis, ya que faltaban pocos días para empezar el rodaje y no había actriz protagonista. El director hizo una búsqueda de actrices que no tuvieran compromisos y encontró a Bette Davis. Al principio costó decidirse por esta actriz, porque era muy meticulosa y solía reescribir sus papeles al ver el guión y, sobretodo, porque no se hablaba con Zanuck desde la polémica de la gala de los Oscar de 1942. Así, cuando el productor vio que no había más remedio que contratarla, le llamó por telefono y, cuando le dijo que era Zanuck, ella le respondió: "Déjese de bromas, ¿quién es usted?".
Cuando Davis leyó el guión, le pareció tan perfecto que no cambió ni una sola línea. La actriz contaba años más tarde que este papel cambió su carrera, ya que se había quedado estancado en los años anteriores con papeles no tan importantes como a finales de los 30 (ganó sus dos Oscars por Jezabel (William Wyler, 1939) y por Peligrosa (Alfred E. Green, 1936)) o principios de los 40. Ese estancamiento de una actriz que tenía 40 años, es sin duda el miedo y la decadencia de su personaje de Margo Channing.
Bette Davis y Celeste Holm, representan a dos amigas en la película, pero la segunda traiciona a la primera para que Anne Baxter consiga su primera función. Davis y Holm, discutieron el primer día de rodaje y no se volvieron a hablar fuera de las cámaras.

La guerra de Margo y Eva
En la película, Eva trama un plan para poder ocupar el puesto de Margo. Conforme avanza la película, la desconfianza da paso al odio. A la hora de inscribir a las candidatas en las categorías para los Oscar, todo el equipo coincidía que Baxter tenía que competir por el premio a mejor secundaria y Davis por el de actriz principal... todos menos Anne Baxter. El recelo entre las actrices llegó hasta tal punto que Baxter exigió competir por el premio a mejor actriz principal, para no ser menos que su compañera de reparto. El resultado fue que las dos estuvieron nominadas, junto con Gloria Swanson (El crepúsculo de los dioses), Eleanor Parker (Sin remisión) y Judy Holliday (Nacida ayer). Las grandes favoritas eran Bette Davis y Gloria Swanson, con su papel también espectacular de la diva del cine mudo Norma Desmond. Mientras una representaba a una actriz teatral en decadencia, la otra vivía en su propia mentira por creerse la gran actriz del momento, cuando su momento ya había pasado. Sin duda, cualquiera de las dos lo merecía. Pero muchas teorías conspiratorias, creen que perdieron por la nominación de Anne Baxter, ya que si ganaba Davis, significaba que estaba por encima de la interpretación de Baxter y si hacía lo propio Swanson, se le atribuía una victoria sobre el reparto de Eva al desnudo. La incomprensible ganadora fue Judy Holliday.

El alter ego de J.L. Mankiewicz
El crítico de teatro interpretado por Sanders es el alter ego de Mankiewicz. El director siempre consideró que cada una de las frases de ese personaje, las había escrito pensando en lo que diría el mismo. Cada gesto, cada palabra, cada expresión se corresponden con lo que pensaría el director en esas situaciones.

La historia de amor
Bette Davis y Garry Merrill se enamoraron durante el rodaje y se casaron. Es otra de las coincidencias del film con la realidad. A modo de anécdota, y para entender la unión entre el reparto y la realidad, hay que destacar una cita de Bette Davis en los 60, posterior a su divorcio: "El problema que hubo, es que Garry se enamoró de Margo Channing".

Más info: Biografía Bette Davis
Curiosidades del rodaje, sinopsis y repercusión del film
Documental de Eva al desnudo, extra de la edición Los imprescindibles de El Corte Inglés

100 años del nacimiento de J.L. Mankiewicz: el director y los Oscars (I)

2009-06-22T08:58:00.000-07:00

Iniciamos el homenaje a un director que destacaba por las reflexiones sobre la interpretación, acercándose en muchas ocasiones al teatro, la creatividad en los diálogos, hasta el punto de construir personajes a través de ellos, la manipulación de los personajes o el protagonismo de la mujer. Mankiewicz es uno de esos directores a los que no se le suelen valorar como se merecen. Con motivo de los 100 años de su nacimiento que se han cumplido en 2009, vamos a analizar los films que estuvieron nominados a la categoría de mejor director o película, recordando, que es el único director de la historia que ha ganado dos veces seguidas el Oscar a mejor director. Precisamente, empezamos con la primera de éstas dos.

(si queréis más información de la obra de Mankiewicz, este reportaje de TVE, está bastante bien, Pulsa aquí)

Carta a tres esposas: ruptura del estilo clásico

Mankiewicz se caracterizó en los años 30 por su trabajo como productor. En los 40, empezó a dirigir alguna película, pero normalmente, porque no encontraba director. Por eso, el director siempre consideró, que Carta a tres esposas fue su primera película. Se trata de una película en la que encontramos muchos rasgos de su cine, como el juego con el espectador, las mujeres como eje central del discurso o el respeto por una diva. Vayamos por partes. Tres buenas amigas reciben una carta de Addie, diciéndoles que se ha marchado con uno de sus esposos. Durante el viaje que están haciendo con unos excursionistas, vemos a través de sus rostros la preocupación por no ser la desafortunada. Es entonces, cuando el director penetra en el interior de cada una, para ver por qué motivo no ha hecho feliz a su marido o a ella misma. Es decir, Mankiewicz reconstruye historias de cada una de ellas, por las que vemos cómo son, cómo se comportan y por qué saben cierto que esa amenaza de Addie es real. Una de las amigas ha sido una egoísta que sólo ha pensado en ella y en su trabajo, otra no se acaba de adaptar a la nueva vida con su marido y la otra, parece no haber nacido ni en lugar ni en el momento adecuado. El director retrata, desde la que vive en un status social más elevado, a la que menos, pero a la que le gustaría pertenecer a ese estatus. Los tres flash backs tienen cosas en común, como ese sueño con la clase alta, ese uso de la mujer como mercantilización, la infelicidad, el no haber complacido al 100% a sus maridos y, sobretodo, la envidia que tienen a Addie. Ésta es una diosa (término que viene a la perfección, porque siempre está en el momento justo y adecuado complaciendo a los maridos de ellas y, especialmente, porque es un personaje que el espectador no va a ver en todo el film), todos los maridos la califican como la mujer perfecta: guapa, atenta, generosa, de clase social alta... El ejemplo perfecto de los celos de las demás, es el cuadro que tiene uno de los maridos encima del piano, el cual, sólo se verá cuando la mujer de éste, se case y ponga el suyo en ese marco de plata.

(Trailer en inglés)

Esta telaraña construida por Mankiewicz, invita a pensar que cada una de las mujeres es la víctima, cuando se muestra su vida. Al final, el director volverá a jugar con el espectador, ya que todo parece derivar hacia un happy end totalmente ficticio. La película, puede acabar con besos y sonrisas, pero el inconformismo de las mujeres americanas, la búsqueda de un estatus, el egoísmo... permanecen intactas con ese final. El último plano de la copa lo dice todo, parece muy bonito hasta que se rompe, porque por mucho que todas sean felices, su desconfianza motivada por su falta de atención hacia sus maridos, les ha llevado a darse cuenta de su infelicidad.

A modo de curiodidad, para entender la importancia de la obra, añadiré que un militar como Douglas MacArthur, escribió una carta al director para saber quién se iba con Addie y qué matrimonio se había roto. Es que esta estructura de vidas paralelas y ese final metafórico, no hacían fácil el entender ese final. Es sólo un ejemplo de una de las tantas telarañas que tejió Mankiewicz, y que le valió su primer Oscar a mejor director.

Apocalypse now: Un espectáculo catastrofista de grandes dimensiones

2009-06-21T00:00:00.000-07:00

(Todos sus premios)

Apocalypse now pasó de lo que parecía una ruina, a otra película super rentabilizada de Coppola (sólo en Estados Unidos recaudó 78 millones de dólares). Además, la película fue recompensado con dos Oscars (escaso premio para sus ocho nomincaciones) y la Palma de Oro en Cannes, entre otros grandes éxitos. Han pasado 30 años desde su estreno y 8 desde la nueva versión y, la película no ha perdido ni un ápice de interés.

El coronel Willard (Martin Sheen) tiene la misión de matar a Kurtz, antiguo coronel americano que ahora vive en una especie de tribu con los vietnamitas y que se ha vuelto loco. Ya desde el inicio, se nos presentan la mayoría de elementos que vamos a ver a lo largo de la película: guerra, bombas, horros, napalm, la mente de Willard, todo mostrado en forma de pesadilla. Una secuencia en la que ya se apreciael genial espectáculo visual de la película. Después, empiezan dos horas largas de viaje río abajo. Willard sólo conoce a Kurtz a través de unos escritos de sus propias memorias. Durante el viaje, Willard se va sintiendo fascinado por este personaje. Así, podemos ir entendiendo, que el río se va a convertir en un viaje hacia la locura. El estado mental de los soldados, va empeorando poco a poco.

(Inicio Apocalypse Now)

El recorrido tiene sus etapas, en la que los personajes van haciendo patente su vacío interior. Por ejemplo, destaca la parada con las chicas Playboy. Parece que la necesidad sexual de los soldados es tan grande, que encuentran un oasis en medio del desierto. Pero en las relaciones se ve la soledad de estos valientes, el horror de la Guerra les está consumiendo y las chicas son auténticos instrumentos. También es destacable la llegada en medio de la niebla a una plantación francesa. Todo de una forma muy onírica, como será ese amor que encuentra Willard, un simple sueño esperanzador en medio del horror de su realidad.

Pero centrémonos ya en lo más importante, que es la llegada al territorio Kurtz. Marlon Brando interpreta a un coronel que es una especie de ser mitificado por los vietnamitas y, el cual el espectador sabe que está completamente loco. Vive rodeado de cráneos y cuerpos putefractos, que ahuyentan a los enemigos (o por lo menos es para lo que lo usaban algunas civilizaciones, como por ejemplo Los Aztecas). Willard llega a la isla y, en vez de haber un enfrentamiento armado (como sucedería en muchas películas bélicas), se produce un enfrentamiento moral, que continúa con el show metafísico. Es increíble, como Coppola filma a Brando, casi siempre enfocándole el cráneo que entra o sale hacia o de lo oscuro y, que constantemente se echa las manos a la cabeza. Es una gran forma de representar esa pérdida del juicio. Las frases de Brando no tienen desperdicio, y reduce todo lo visto durante tres horas a la vanidad. Ya da igual quién mate a quien, todos han perdido, tanto la Guerra, como la cabeza. Muchos han criticado el final, pero, "¿Esta Kurtz loco? Poco importa, es un melancólico" (Stéphane Delorme, Càhiers du cinema, Colección grandes directores de El País). Efectivemente, es un melancólico, como Harry Caul o como los Corleone. Es decir, los personajes principales de las películas de Coppola de los 70, realizan sus actos porque les invade la tristeza y no se pueden contentar con nada.

(El horror, diálogo final entre Kurtz y Willard)

La idea de espectáculo, también se ve desde la óptica del periodismo. Dennis Hopper es un fotógrafo totalmente identificado con Kurtz. Cuando al final quiere fotografiar a su héroe, éste amenaza con matarle"Kurtz es el horror, y el horror no se deja fotografiar. Ni siquiera puede ser contado, sólo sugerido. Coppola, tras un espectáculo pirotécnico, psicodélico que despliega a lo largo del film, deja a Kurtz en las sombras, en el corazón de las tinieblas" (SALES, Heredia (2006)., Cine entre líneas. Periodistas en la pantalla. 51 Semana internacional de cine, Valladolid.)

Resumiendo, Coppola logra adentrar al espectador al corazón de la Guerra, que no es otro que el horror. El intento de luchar contra éste, aún trastorna más a los soldados que sufren todo tipo de miserias. Todo ello, lo hace con una fotografía espectacular, y con una puesta en escena maravillosa. El resultado, viendo el rodaje y el producto final, ya lo explicó el director en Cannes en el año 79, "No es una película sobre la guerra del Vietnam, es el Vietnam".

F. Ford Coppola: cómo convertir el gran caos en una obra de referencia (Parte II)

2009-06-19T00:00:00.000-07:00

Apocalypse now: El rodaje
F.Ford Coppola sufrió lo suyo para abordar el rodaje de El Padrino. Los productores habían puesto en un director novato una gran cantidad de dólares y, a medida que avanzó el rodaje, los numeros rojos iban aumentando. Y no sólo eso, sino que la desconfianza por los actores elegidos por el director, las localizaciones, los profesionales... atormentaron a Coppola durante todo el rodaje. Al final, el director invirtió el doble del presupuesto estimado en un principio, pero nadie duda de la gran inversión que se hizo.

Pero ni el propio Coppola se podía imaginar lo que le vendría encima pocos años después. El italo-americano, quería hacer una película que no fuera sobre Vietnam, sino que fuera Vietnam. Para ello, la primera idea que tuvo, fue rodar la Guerra que estaba en curso, pero ningun estudio lo contempló, porque parecía una locura. Una vez finalizada la Guerra, en 1975, se decidió a abordar el proyecto. Un proyecto, para el que Coppola pensó en construir un cine en el centro de Estados Unidos, y que la película resultante, sólo se exhibiera en esa sala. Es decir, hacer una especie de Disneylandia, al que todo el mundo que quisiera ver el film, tendría que desplazarse. Evidentemente, la idea no prosperó.
En primera instancia, Coppola quería que el proyecto fuese dirigido por George Lucas, pero este se negó y acabo dirigiéndolo él mismo. El siguiente problema, fueron los actores. Harvey Keitel fue el elegido para desempeñar el papel protagonista, pero el propio director decidió que no era el adecuado. Después vino el baile de nombres. Se hicieron bastantes ofertas, como la contratación y despido de Dennis Hooper, y existe mucha rumorología al respecto. Al final se acabó contratando a Martin Sheen.

El plan de rodaje, estipulaba una duración de seis semanas. Para él, todo el equipo se traslado a Las Filipinas y se reconstruyeron algunos decorados, pero predominaban los naturales. De todas formas, no fue muy importante si predominaban unos decorados u otros, ya que los numerosos Monzones que pasaron durante esas fechas por las islas, arrasaron una y otra vez las localizaciones.

(Hearts of Darkness,documental de 1991,que habla del rodaje de Apocalypse Now.En inglés)
Martin Sheen sufrió un infarto durante el rodaje y fue reemplazado en algunas escenas de riesgo por su hermano. Y, para interpretar al coronel Kurtz, después de tanto lío, Coppola se decidió por Marlon Brando. Pero el actor, sólo aceptó un contrato de tres semanas cobrando una barbaridad. Además, se presentaba a los rodajes sin haberse leído el guión y, por lo tanto, sin haberse preparado nada la interpretación. Incluso, amenazaba con no ir a los rodajes y quedarse el anticipo que le habían dado. Coppola no entendía la actitud del actor, la cual le supuso muchas discusiones.

Al final, más de 200 horas de filmación y muchísimos meses de postproducción, más de veinte millones de dólares de gasto, reescritura del guión sobre la marcha... Además, la presión de los productores hizo que la película se tuviera que quedar en dos horas y media, para que resultara mucho más comercial. Es por este motivo, por el que en el año 2001, se rehizo el montaje y se añadieron 40 minutos de imágenes suprimidas.
Resumiendo, Apocalypse Now un auténtico caos que tardaría tres años en estrenarse, pero que se convertiría en una de las referencias imprescindibles del cine bélico, o del cine de catástrofes, que era cómo Coppola quería enfocarlo.

F.Ford Coppola: un gran talento con dos Palmas de Oro (Parte I)

2009-06-18T04:20:00.000-07:00

Tetro, la última película de Francis Ford Coppola, se preestrenó en Cannes y el 26 de junio llega a las pantallas españolas. Coincidiendo con este estreno, vamos a recordar las dos Palmas de Oro que tiene en su haber el director americano.

La conversación: La obsesión paranoica con el trabajo

(Todos sus premios)
La conversación es una de esas obras más pequeñas de Coppola en cuanto a presupuesto, pero una de las obras imprescindibles de los años 70. Si por algo se caracteriza la filmografía de Coppola, es por alternar grandes producciones y películas más modestas y menos pretensisosas. La conversación es una película que se realiza entre las dos partes de El Padrino, lo cual funciona como ejemplo de estos dos tipos de películas.
Estamos ante una película que aborda el difícil trabajo de espía. Harry Caul (Gene Hackman) encarna a un espía contratado por una gran empresa para seguir a dos de sus trabajadores. Con una tecnología sofisticada, consigue descodificar un diálogo en el que se habla de un posible asesinato. La historia se repite, ya que pocos años atrás, Caul pasó por lo mismo y murieron tres personas. La duda estará en delatar o no a esos trabajadores, aunque su mayor problema será la obsesión con el trabajo. Sus miedos podrán con él, será estafado, sus cartas jugarán contra él y su mente será la más perjudicada.
La película tiene escenas narradas con una frialdad inquietante, mostrándonos como la obsesión por el trabajo va consumiendo a su protagonista. Para el recuerdo quedan tres escenas magistrales, como son el inicio, que en poco más de cuatro minutos se describe perfectamente la película, a través de un zoom hacia un plaza y el constante seguimiento al humorista, al protagonista y a los dos trabajadores y, las dos últimas escenas, en las que la propia mente ha dominado al detective (me refiero a la del hotel con la sangre saliendo del water y al final, cuando llega a casa. Esta escena me recuerda al desangelado y solitario Marlon Brando en el final de El último tango en París).

(Escena inicial)
La música de David Shire, los constantes silencios y los ruidos del rebobinado de cintas sirven para enfatizar ese climax de tensión y suspense que envuelve todo el relato. Sin duda, el estrés por el trabajo, el sentimiento de culpa, la no-satisfacción por el trabajo desempañado, en definitiva, el espionaje, convierten a Harry Caul en un personaje agoviado por la soledad y el aislamiento. Dos síntomas llevados al extremo de una forma magistral en la última escena.
Resumiendo, estamos ante una gran obra de Coppola, no tan reconocida como otras, pero que le valió para llevarse su primera Palma de Oro en Cannes y, para hacerse autocompetencia en los Oscars con tres nominaciones (El Padrino II ganó 6 estatuillas).

El caballero oscuro: En busca del héroe de Gotham

2009-06-17T02:26:00.000-07:00

(Todos sus premios)

Allá por el año 2005, se estrenaba Batman Begins, película que todo el mundo esparaba como otro punto de vista de la tan vista saga de Batman. Pero, en esa ocasión, cambiaba su director y dejó boquiavierta a gran parte de la crítica. Se deshizo de ese encasillamiento de típica película de superhéroe, a base de humanizar más el discurso, transformándolo en una alegoría social. Tres años después, Christopher Nolan, presenta su nueva visión del héroe de Gotham, volviendo al debate social y, yendo aún más allá. En El caballero oscuro, esa idea de héroe recorrerá todo el discurso, poniéndose en jaque y en debate cómo se ha de combatir contra el mal. El pueblo es partidario de una figura salvadora, que garantice el orden de la ciudad a base de luchar por la fuerza contra los que violan el orden público. Es volver a esa idea de héroe salvador tan tratada en el cine y, no sólo en el de superhéroes. Se me ocurren ejemplos como el Clint Eastwood de El jinete pálido o el Mickey Rourke de La ley de la calle. En esta ocasión, será el propio Batman el que entienda que una ciudad no puede depender de una sóla persona que vele por el interés de los demás. Harvey Dent será la figura que crea en esa lucha desde la justicia y desde la democracia, ganándose poco a poco el reconocimiento de los ciudadanos.

(Entrevista a Christopher Nolan)
Para contribuir al debate, aparece un personaje típico de la saga Batman pero distinto. Típico, porque la figura del joker la conocemos desde las primeras películas del superhéroe. Distinto, porque en esta ocasión, pasará a la historia por el papel que interpreta. Las apariciones del Joker-Ledger impregnan de una locura increíble cada segundo en el que aparece en pantalla. Desde el primer minuto en el que planea su juego, te himnotiza y ves en él, el desequilibrio mental más extremo que he visto desde el Jack Nicholson de El resplandor.

"Es desgraciado el país que necesita héroes" (Bertolt Brecht)

El Joker-Ledger tiene la sangre fría, no tiene escrúpulos, es violento, sanguinario, loco y muy inteligente. Éste rasgo es el que le diferencia de otros jokers. Siempre va a ir un paso por delante de Batman y jugará con él durante dos horas y media. El Oscar para Heath Ledger, algunos lo tildarán de sensacionalista por su fallecimiento, pero es totalmente merecido.
Nolan vuelve a impregnar a la fotografía un tono muy oscuro, utiliza un ritmo frenético y unos efectos especiales y sonoros (éste fue el segundo Oscar) notables. Entre tanto oscuridad, el joker sigue jugando con todos los personajes y conseguirá transformar el símbolo de la justicia. Ese es Harvey Dent, al que sus aires de venganza y su rostro quemado, le convertirán en el verdadero caballero oscuro de la película. Un Dent, que se alzará como héroe, pero un ascenso que se cobrará algún cabeza de turco. Desde este momento da igual lo que le pase al joker, porque ya ha movido todos los hilos de la película. Unos hilos, que quedarán siempre en la historia del cine, gracias al Joker-Ledger.

Vicky Cristina Barcelona: el Woody Allen más español y menos brillante

2009-06-16T02:38:00.000-07:00

(Todos los premios)

Vicky Cristina Barcelona será recordada en España por el Oscar conseguido por Penélope Cruz. El relato nos muestra a dos turistas americanas (Rebecca Hall y Scarlett Johansson) que llegan a Barcelona. Son dos personajes totalmente distintos, icluso antagónicos cuando conocen al pintor barcelonés encarnado por Javier Bardem. Si a esto le unimos, el lío de éste con su exmujer (Penelope), que está obsesionado con él, hasta el punto de haberle disparado, y la dirección de Woody Allen, el resultado es una comedia amorosa.

(Trailer)
Por un momento, me gustaría imaginar que esta comedia la hubiera protagonizado el director. A buen seguro, hubiera ingeniado mucho más los diálogos, las reflexiones sobre el amor hubieran sido más cómicas, menos directas y más fructíferas. Además, Woody Allen borda el papel de paranoico, de fracasado en el amor, de crítico de arte, de protector de las mujeres más jóvenes... Es por esto, que en esta película, me falta ese personaje que me identifique, que me haga reir y que me transmita una serie de ideas que me lleguen. En este film, no puedes esperar sentado y sentarte a disfrutar con los personajes, sino que tienes que realizar un esfuerzo para entenderlos, comprenderlos y adorarlos. En este camino de reflexión por el film, no llegas a todos estos aspectos por lo que te pierdes en diálogos medianamente ocurrentes, situaciones inverosímiles y unas interpretaciones, a ratos, estridentes.
Sí que es cierto que Penélope cumple. Es una actriz que ha crecido bastante y, los personajes esquizofrénicos se le dan mejor que los dramáticos. Aunque también es cierto que es de esas actrices sobrevaloradas, tanto por la industria norteamericana, como por los españoles. Del resto del reparto, destaca Rebecca Hall, que por lo menos cumple.
Resumiendo, Woody Allen fotografía Barcelona como lo hubiera hecho cualquier turista. Presisamente, la fotografía de la película es de lo mejorcito, aunque tampoco hacía falta mucho para superar al resto de los aspectos técnicos del film. Después de salir de Estados Unidos para dirigir la trilogía londinense, ha realizado su película más española. Cuatro películas que van de más a menos (de la increíble Match Point, a ésta, pasando por una entretenida Scoop y por una normalita 'El Sueño de Cassandra'), pero que demuestran que al newyorkino le queda cine para rato.

Wall-E: una odisea en el espacio y en la Tierra

2009-06-15T01:02:00.000-07:00

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La animación está de moda. Ya se que nunca ha dejado de estarlo, pero en los últimos años, no paran de producirse nuevos títulos y, nuevas propuestas que buscan cierta originalidad. Parece que se ha encontrado una fórmula de dirigirse a un público familiar, haciendo películas no pensadas para niños, lo cual asegura mayores ingresos en taquilla y productos más elaborados (o por lo menos a priori). Este panorama y las seis nominaciones a los Oscars (sólo vencedora del mejor largometraje de animación), son las que hacen que me aproxime al maravilloso mundo de Wall-E. Éste es un robot que se ha convertido en uno de los últimos habitantes del planeta Tierra en el año 2700. Su misión es reciclar toda la basura que han producido los humanos a lo largo de su existencia. Durante la primera hora de la película, una máquina extraña llega al planeta en busca de vida. Ese robot misterioso y peligroso, atrae al protagonista del film, que luchará por su amor.

(Entrevista a Andrew Stanton, director de Pixar y de Wall-E)
Wall-E, vive en una casa donde acumula todos los objetos curiosos que encuentra en la basura, haciendo servible cualquier cosa que podríamos tener hoy en día en casa. Entre ellos, destaca un VHS con dos números musicales de la película Hello, Dolly!. Pero hay muchas más referencias cinematográficas, como el homenaje de esa primera parte al cine mudo, especialmente al cómico, o a películas de ciencia ficción avanzadas a su tiempo como La guerra de la Galaxias o 2001: Una odisea en el espacio. Por lo tanto, observamos una clara unión en el film, entre el pasado y el futuro.
Desde el primer momento, se pretende una humanización del robot, para que el espectador se sienta claramente idendificado. Pero será durante la segunda hora de película, donde ésta se llevará al límite. Una humanidad sedentaria, con problemas de comunicación, con expectativas de volver a la tierra, huida de un espacio idílico o, lo más importante, la lucha contra las máquinas. La humanidad parece estar robotizada, mientras que cada vez más, los robots están humanizados. Es por ello, que la historia de amor entre los robots puede parecer infantil, pero triunfa porque, al fin y al cabo, son los elementos más humanos de esta película. Por todo esto, quiero resaltar una cita del crítico de El País, Carlos Boyero, que muy de vez en cuando, escribe algún texto interesante: "Ninguna temática está proscrita en la edad de oro de los dibujos animados. La única exigencia es que posean arte. Parece ser que los niños también han bendecido lo que nos enamora a los mayores. Todos queremos a Wall-E y a Eva."

Flash back: Oscars 1942, un cartel espectacular (Parte II)

2009-06-10T03:58:00.001-07:00

LOS PREMIADOS
Como argumento crítico contra la Academia, para defender unos gustos por películas que han competido otros años, seguro que algunos habréis escuchado eso de "Es que, películas como Ciudadano Kane no ganaron el Oscar a mejor película". Si vemos el conflicto con Hearst, se entenderá mejor esa derrota. Pero, no fue el único motivo. Ciudadano Kane es una película más importante en los años 50 que en los años 40. La importancia que tiene para la historia del cine no es entendible en el mismo año de su exhibición o en los inmediatamente posteriores. Sin embargo, en los 50, la Nouvelle Vague sí que entiende su importancia, pero porque la ha visto desde una perspectiva temporal. Además, hay que observar la competencia, que ese año era muy feroz.
En cuanto a los premiados, fue el año de "Qué verde era mi valle". 5 Oscars, entre ellos, mejor película, actor secundario (Donald Crisp) y el tercer Oscar para John Ford. La película muestra el auge de los movimientos sindicales en un pequeño pueblo que vive de la mina. Allí, la política se cuela en una familia, ya que el padre ve como sus hijos están con el movimiento y no con él. Tan sólo el pequeño se quedará a su lado y trabajará junto a él, rechazando su esperanzador futuro. De este modo, el director realiza una mirada atrás nostálgica hacia aquel pueblecito unido en el que todos se trataban como si fueran familiares. Sin embargo, el valle ya no es verde, lo cual oscurece la fotografía de Ford, pero no le quita ni un ápice de su majestuosidad. Una gran obra maestra. Alfred Hitchcock volvía a los Oscars después de haber ganado el año anterior con Rebeca (este fue el único triunfo de una película del británico en los Oscars. Nunca ganaría ninguno en la categoría a mejor director). Esta vez estaba en concurso con "Sospecha", otro de los juegos del genio del suspense, sobre el poder del dinero, el juego (en el sentido de las apuestas y del juego que el director hace con el espectador), el crimen, el sentimiento de culpabilidad o, sencillamente, la sospecha. Otro espectáculo vibrante, en el que un personaje sin dinero y adicto al juego, se casa con la hija de un noble rico. A partir de ahí, la sospecha constante de Joan Fontaine (premiada como mejor actriz) de que su marido está asesinando para conseguir dinero. Un clásico que maneja todas las claves del cine del británico, con un final impresionante. Esta edición, también supuso el descubrimiento de un director. Se llamaba John Huston y con su ópera prima, "El Halcón Maltés", no hacía más que presentarse a lo grande. Un clásico del cine negro, en el que Humprey Bo gart interpreta a un detective que se verá envuelto en la leyenda del halcón. Una figura que se convierte en el tesoro por el que personajes de distinta procedencia investigarán hasta hacerse con él. Amor, disparos, engaños, provocaciones, negocios... todos los rasgos típicos de este género se nos muestran en esta película y, que derivarán en una última escena, la del ascensor, que los simboliza todos.

William Wyler volvía a estar nominado a las mejores categorías y, por cuarta vez, se le escaparía el Oscar. Además, no fue su año, porque pasó de ser la tercera película con más nominaciones, nueve, a irse de vacío. “La loba” no conquistó a la Academia y, ni siquiera el gran papel de Bette Davis fue premiado. Quién sabe si los líos anteriores a la gala le pasarían factura. De todas formas, Wyler no tuvo mucho que esperar, ya que en la siguiente edición ganaría el primero de sus tres Oscars, por “La señora Miniver”.

Una compañera de reparto de Davis, Mary Astor, se llevaría el premio a mejor actriz secundaria, aunque sería por “La gran mentira”.

Siguiendo con el desfile de grandes nombres, Howard Hawks también optaba a todo con “El sargento York”. Aproximación de Hawks al género bélico con un extraordinario Gary Cooper. El papel del actor fue premiado con el premio al mejor actor.

Otras películas que competían por el premio a mejor película, fueron “Si no amaneciera”, “One foot in heaven”, “El difunto protesta” y “De corazón a corazón”.

En esta gala, también estuvieron presentes, aunque en otras categorías, cineastas como Frank Capra o Victor Fleming. Y, si repasamos las películas ignoradas por la Academia, nos encontramos con directores de la talla de King Vidor, Jean Renoir o Raoul Walsh.

Resumiendo, la edición de los Oscar de 1942 será recordada, sobretodo, por todos los conflictos que precedieron a la gala. No obstante, esta edición tenía uno de los mejores carteles de toda la historia, hecho que queda demostrado cuando hoy día, muchas de estas películas son auténticas referencias para todos los aficionados al cine.

Flash back: Oscars 1942, un año envuelto de polémica (Parte I)

2009-06-10T02:59:00.000-07:00

La edición de los Oscars de 1942, es decir, películas estrenadas en 1941, pasó a la historia por motivos ajenos a la gala, por dimisiones antes de la misma, por supuestos boicots y por los premios, pero vayamos por partes. En esta entrada abordaremos los primeros, dejando el resumen de la gala para mañana.

A LÍOS CON LA PRESIDENTA

Bette Davis fue la actriz elegida para presidir la Academia, pero nunca se imaginaría todo lo que le sucedería después, ya que sino no hubiera aceptado. La gala se situaba en un contexto de guerra, marcado por una crisis económica potente y por la preocupación de la sociedad. Así, que la actriz decidió hacer una gala mucho más austera. Fuera los lujos, el glamour, la alfombra roja, los banquetes y, lo más novedoso, que se pudiera permitir el acceso a los espectadores mediante previo pago de sus entradas. Pero, se topó con los defensores de la idea de que Hollywood es Hollywood. De este modo, se desató una gran polémica, y ante la gran oposición que tenía, Bette Davis prefirió dimitir antes que ser partícipe de un gran espectáculo en una etapa tan difícil. Aunque después, el gasto no fue tan excesivo como en otras ocasiones.

HEARST Vs. WELLES
Otro de los grandes conflictos que se dio antes, durante y después de la gala, fueron las nueve nominaciones de 'Ciudadano Kane'. No porque no se las mereciera, sino porque la película narra de forma muy explícita la vida de William Randolph Hearst. Magnate de la prensa que fue muy famoso por comprar a los grandes periodistas de la época para crear su periódico o por falsear informaciones para desencadenar la guerra de Estados Unidos contra España por Cuba. El empresario estaba en la gala e hizo una gran campaña contra Welles y su película, hasta el punto de contar con muchos adeptos y abuchear el premio a mejor guión del director, actor y guionista del film. Ese único premio fue definido por muchos como el triunfo de Hearst. Un magnate, tan poderoso, que incluso hoy no día muchos no se explican cómo se pudo estrenar la película.

LOS CELOS FAMILIARES

En la categoría a mejor actriz, competían las dos hermanas Olivia de Havilland y Joan Fontaine. Cuentan que no se llevaban muy bien, porque Olivia siempre había recibido mejor trato de su madre en casa. La situación, llegó hasta tal punto que su madre no le dejó, primero ser actriz y, después utilizar el apellido de Havilland, por lo que usó el de su padrastro. Después, fue la mayor la que no supo tragar con el temprano éxito de Joan.

En la gala anterior, Fontaine ya había sido nominada por Rebecca y, de nuevo con Hithcock, volvía a por un premio que desencadenaría el fin de la amistad entre las dos hermanas. Olivia declaró que no le daban el premio porque el año anterior se lo habían denegado. Una especie de teoría de la conspiración sin mucho fundamento, pero que deja entrever los celos que tenía y que harían irreconciliable su relación.

"Para mí es como si no existiese. Nos odiamos tanto cuando éramos jóvenes que ahora hemos agotado la carga de odio y nos limitamos a ignorarnos" (Joan Fontaine, años después)

El curioso caso de Benjamin Button: La gran derrotada

2009-06-09T00:57:00.000-07:00

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El curioso caso de Benjamin Button pasará a la historia como una de las películas que más nominaciones a los Oscars ha obtenido (sólo superada por las 14 de Titanic y Eva al desnudo), y como una de las que más ha perdido (sólo superada por El color púrpura y Paso decisivo). No obstante, también pasará a la historia por ser una de las mejores películas de los últimos años.
La historia se sitúa en Nueva Orleans, en los días previos a la llegada del huracán Katrina. Este ciudad sirve para enlazar el presente -que es final de la vida de Cate Blanchett- con el pasado -la infancia de la misma-. Así, desde el primer momento aparece ese tiempo que será el eje que vertebrará todo el relato. Ese flash back nos llevará a la Nueva Orleans habitada mayoritariamente por ciudadanos de raza negra. Entre ellos, se criará Benjamin Button, al ser rechazado por su padre por nacer envejecido. Así, la vida del protagonista encarnado por Brad Pitt, transcurrirá a la inversa del resto de mortales.

(Entrevista a Brad Pitt)
La película se centrará en ese paso del tiempo que todo ser humano ha de aceptar, no pudiendo detenerlo. Por eso, en la única ocasión en la que los dos protagonistas podrán estar juntos, será en la mitad de sus vidas. Un momento fugaz, que constituye una pequeña estación de paso en esta vida. No se puede luchar contra los fenómenos de la naturaleza, por eso, los protagonistas deberán resignarse y afrontar sus etapas más maduras de forma muy distinta.
En el relato, también se nos muestra esa importancia del tiempo, vista desde la casualidad. ¿Cuántas veces uno ha pensado que hubiera pasado si hiciera una cosa en vez de otra? Es la casualidad, o el estar en el sitio justo en el momento oportuno o, simplemente el destino. David Fincher narra este cúmulo de circunstancias que rodean a cada individuo, de una forma magistral, entremezclando una serie de hechos totalmente rocambolescos y ajenos a una persona, que acaban por terminar con una prometedora carrera de bailarina de la protagonista.

(Escena del accidente)
Muchas críticas se quejaban, de que es una película muy parecida a Forrest Gump. Sí que tiene algunos puntos similares (hay que recordar que Eric Roth es el guionista de las dos), como el recorrido de la vida a través del flash back, las escenas bélicas, la metáfora pluma-colibrí, el rechazo social al protagonista o la búsqueda del amor de toda la vida. Pero, son dos películas totalmente distintas, en el que las coincidencias se deben a meros elementos presentes en el relato.
La película es larga -casi tres horas-, pero no se hace larga. Pasa bastante rápido, al igual que la vida pasa velózmente. Esta propuesta de Fincher por el paso tiempo y por la fugacidad de la vida, es conducida de una forma magistral.

Al final, el tiempo deja de ir atrás, para deternerse. Con el paso del huracán, Estados Unidos queda asolado por ese golpe tan duro que supuso el Katrina. Sólo queda hacer borrón y cuenta nueva, unirse todos para sacar la situación adelante. Como proponía la revista Cahiers du cinema España en el número de febrero de 2008, ¿tendrá que ver esto con la situación política actual?

Slumdog millionaire: El exitazo del 'progre' Danny Boyle

2009-06-07T01:15:00.000-07:00

(Ver película en streaming)
Slumdog millionaire se ha convertido en un éxito en todos los sentidos. Se dice que a mitad del año pasado no tenía acordados contratos de distribución y, sólo en España, ha recaudado casi 10 millones de euros. Pero, también se dicen cosas que no son ciertas, como que es una película muy económica, y costó 15 millones de dólares, más que casi todos los films españoles realizados hasta la fecha (aunque es cierto que esa cantidad es la que cobra Brad Pitt). La película propone una unión entre las dos industrias más potentes del cine del mundo, y en cierta manera esto sí que es cierto.

El trasladar un estudio a Bollywood puede ser una apuesta muy interesante para el futuro, ya que es más económico que construir un decorado en un estudio, o que llevar a la plantilla a rodar a India. Así, esa idea de progresismo que se nos ha vendido de que Danny Boyle narra la multiculturalidad del mundo actual, la globalización, con un presupuesto muy modesto, no eran más que una simple estrategia. Esta idea de progresismo es un disfraz del británico para aprovechar una situación que podía calar en la sociedad y conseguir amortizar el film. Así, por ejemplo, si Boyle contrató a muchos profesionales indúes fue simplemente por lo económico que le resultaba.

(Trailer)
Yendo ya al producto final, es una película con presupuesto occidental desarrollada en India con actores de ese país. Es el único punto de unión que existe entre Hollywood y Bollywood en toda la película. Por eso, el baile final, el 'Jai Ho', funciona como una especie de pegote bollywoodiense en un largometraje americano.

Donde el director sí que hace un buen trabajo es en los apartados de fotografía y montaje. Con ello consigue dotar de un ritmo frenético a la acción, que hace la película digerible y entretenida. No obstante, Boyle siempre parte de propuestas interesantes, que después se encarga de estropear. Slumdog millionaire es otra vez más de lo mismo. Un planteamiento sobre la corrupción del programa televisivo 'Quién quiere ser millonario', un concursante que participa por recuperar a la chica de la que se ha enamorado, una visión del héroe creado por la televisión y un retrato a la mafia de India. Después, todo se diluye en esos saltos en el tiempo por los que vemos por qué sabe las preguntas, esa búsqueda de Lática, unas flojas interpretaciones y un happy end excesivamente previsible y cursi.
En India, esta película se recibió con división de opiniones. Por un lado estaban los entusiastas y, por otro, los que criticaban la visión que se da del país. India, le ha dado la gloria a Boyle y, él lo retrató como una jungla de delincuencia. Delincuencia, por cierto, que registra los datos más bajos desde hace más de 60 años.
Con todo esto, Slumdog millionaire pasará a la historia con sus ocho Oscars y puede abrir nuevas vías para la producción y realización de nuevos films. Así, el 'Boylewood' podría ser el modelo de explotación que podrían aprovechar algunos realizadores occidentales. Una perversión disfrazada de progresismo y, lo que es más sugerente, una rentabilización máxima en taquilla.

El desafío: Frost/ Nixon. El mejor combate de Ron Howard

2009-06-04T02:57:00.000-07:00

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(Ver trailer en español)
Ron Howard es un director que lleva más de treinta años dirigiendo películas. Durante este recorrido, se ha enfrentado a todo tipo de films, comedias, dramas, thrillers, aventuras espaciales... En medio de sus megaadaptaciones de Dan Brown, la insulsa "El código da Vinci" y "Ángeles y demonios", el director obtuvo cinco nominaciones para los Oscars, por "El desafío: Frost/Nixon". Es ya sabida la relación de Howard con la television, ya que dirigió una serie de telefilms en los 70 y los 80, y también es conocido su interés por el periodismo, que nos mostró en la mediocre "The paper: detrás de la noticia". En esta ocasión nos presenta una visión del debate que mantuvieron el presentador británico de "talk-shows" en Australia, David Frost, y el ex-presidente de los Estados Unidos, Richard Nixon. Al principio, la película se centra en el funcionamiento de la televisión. El presentador busca y no encuentra financiación por lo que pone su dinero en juego. Cuando convence a Nixon de que vaya a la entrevista, empieza el combate. Durante cada uno de los enfrentamientos, saldrán a relucir los temas más comprometidos del mandato del ex-presidente, conflictos, Vietnam, hasta llegar al Watergate.

(entrevista a Ron Howard)

La película no busca adentrarse en el escándalo del Watergate, sino que busca una contundente deshumanización de Nixon. Durante cada una de las entrevistas, veremos como Frank Langella se va defendiendo perfectamente, gracias a los consejos de sus asesores, y consigue transmitir cordura, temple y convencimiento a los espectadores. El personaje de Frost, se va desencajando conforme avanza la película y, presionado por su inversión económica, poco a poco va quedando más debilitad

"El mayor legado de Nixon a la Historia Política es que todo escándalo político recibe el sufijo -gate" (Ron Howard)

Pero una simple conversación telefónica antes del último asalto cambia el combate. Monólogo de un Nixon desconocido, ante el oído de Frost. Esta conversación le valdrá al presentador para ver un atisbo de esperanza, investigar y asestarle un crochet de izquierdas en la última y definitiva entrevista, para que el ex-presidente acabe sumido en la soledad a la que le han llevado sus actos. Actos por los que David Frost le acabó pisoteando.

Oscars 2009: La gran olvidada... Gran Torino

2009-06-02T03:18:00.000-07:00

(Ver pelícla en streaming)
Clint Eastwood estuvo nominado para los Oscars con "El intercambio", aunque se fue de vacío, al igual que vacía de nominaciones se quedó su "Gran Torino". En esta película, el director hace un recorrido por muchas de los temas que recorren su filmografía, como los traumas, los miedos, las venganzas y vergüenzas, los héroes, en definitiva, otra radiografía de la sociedad americana. En lo que parece ser la última interpretación de Clint (eso dijo, aunque luego en una entrevista comentó que si le sale un buen papel no lo rechazaría), éste hace un recorrido por muchos de los personajes que ha interpretado en su (larga) historia. Así, Walt Kowalski es el fiel reflejo de todos esos tipos duros a los que le ha dado vida (empezando por la trilogía del dólar, y siguiendo con el Harry Callahan de la serie "Harry el sucio", el Thomas Highway de "El sargento de hierro " o William Munny de "Sin perdón"). El veterano Kowalski es un hombre que se ha quedado en los 70 pero vive en el siglo XXI. Por eso, está traumatizado todavía por la guerra, no es querido ni entendido por nadie, conserva como un tesoro su coche que da título a la película y que metaforiza sobre la sociedad americana y, se ve desbordado por el interculturalismo. Conforme va avanzando la acción, su carácter se va redimiendo y su personaje va evolucionando hacia el Eastwood que estamos más acostumbrados a ver en los últimos tiempos. Ese personaje bondadoso, que ama y deja que le amen, y que se tiene que enfrentar a su destino por ayudar a los demás.

(Entrevista a Clint Eastwood)
Es una gran radiografía de la América del siglo XXI, de la transformación del paisaje humano de un país a costa de la demolición de las raíces y de cómo el americanismo está muerto. De una forma tragicómica, el director y protagonista nos va relatando su película más clásica (no creo que Eastwood sea clásico, pero está película sí que es fiel a la mayoría de las reglas del clasicismo).
En el recorrido por todos sus personajes, Clint Eastwood no se olvida de sus inicios en la trilogía del dólar, y nos relata su final de la misma forma que Sergio Leone nos relataba su principio. Como podéis ver la composición del hombre desafiante contra la amenaza enemiga es la misma. Plano del protagonista, contra-plano, para acabar con el tiroteo que ya conecéis.
(Inicio "Por un puñado de dólares y final "Gran torino". Perdonar por la calidad y porque no hay audio en la segunda, pero lo he hecho descargando dos fragmentos de Youtube)

Al final, el director entierra ese personaje duro que le ha perseguido a lo largo de su filmografía, al igual que parece haber enterrado su carrera cinematográfica.

Oscars 2009: El día que Slumdog millionaire hizo historia

2009-06-01T01:35:00.000-07:00

PALMARÉS (ver todo el palmarés)

Slumdog millionaire- 8 Oscars (mejor película, director, guión adaptado, fotografía, montaje, banda sonora, canción (Jai Ho), sonido). 10 nominaciones (Perdió en efectos sonoros y con la otra canción (O saya))
El curioso caso de Benjamin Button- 3 Oscars (dirección artística, maquillaje y efectos especiales). 13 nominaciones (película, director, actor principal, actriz de reparto, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje, vestuario y sonido)
Mi nombre es Harvey Milk- 2 Oscars (actor principal y guión original). 8 nominaciones (película, director, actor de reparto, banda sonora, vestuario y montaje)
El caballero oscuro 2 Oscars (actor de reparto y efectos sonoros). 8 nominaciones (fotografía, montaje, dirección artística, maquillaje, sonido y efectos visuales)
El lector- 1 Oscar (actriz principal). 5 nominaciones (película, director, guión adaptado y fotografía)
Vicky Cristina Barcelona- 1 Oscar (actriz de reparto)
Wall-E- 1 Oscar (película de animación). 6 nominaciones (guión original, canción, banda sonora, sonido y efectos sonoros)
Man on wire- 1 Oscar ( mejor documental)
La duquesa- 1 Oscar (mejor vestuario). 2 nominaciones (dirección artística)
Departures- 1 Oscar (película de habla no inglesa)

OTROS NOMINADOS IMPORTANTES
El desafío: Frost/Nixon- 5 nominaciones (película, director, actor principal, guión adaptado y montaje)
La duda- 5 nominaciones (actor principal, secundario, actriz principal, secundaria, guión adaptado)
El intercambio- 3 nominaciones (actriz principal, fotografía y dirección artística)
El luchador- 2 nominaciones (actor principal y actriz secundaria)
Revolutionary Road- 3 nominaciones (actor secundario, dirección artística y vestuario)

BALANCE EN FORMA DE NOTICIA (Elaboración propia)

Berlinale 2009: Berlín habló quechua

2009-05-30T02:09:00.000-07:00

(Ver película en streaming)
La teta asustada fue la gran sorpresa en el festival de Berlín de 2009. Como en su primera película, Madeinusa, la directora Claudia Llosa vuelve a recorrer las historias populares y mitos de su país, Perú. En este caso, se centra en una enfermedad que se hereda a través de la leche materna. Se da bastante en algunas zonas de su país, ya que se provoca a través de las relaciones sexuales. La protagonista lleva en su vagina una patata, para evitar esas relaciones y, sirve cómo metáfora de ese tumor intrínseco que provoca la enfermedad. Además, la película también habla de las diferentes clases sociales que se encuentran en una gran urbe como Lima, que van desde la burguesía mejor acomodada a unos suburbios muy pobres, que son donde se desarrolla la mayor parte del film. “Esta enfermedad existe y está documentada. La película cuenta el viaje emocional de una víctima de la enfermedad en busca de la recuperación de la autoestima, la reconciliación y el perdón”, decía la directora afincada en Barcelona a la hora de recoger el máximo premio. En el intento de exaltar esa cultura popular, además de escuchar diferentes canciones populares, llamó la atención que casi durante la mitad de las secuencias rodadas, se habla en quechua, un idioma muy arraigado a la zona en donde transcurre la acción. Esta historia de superación y lucha constante, se llevó el máximo galardón del Jurado y de la crítica. "A todas las mujeres, a todas las mujeres del Perú y del mundo, a todas les digo que no tengan miedo de decir lo que sienten, sean como Fausta” (Claudia Llosa, sobre la protagonista).

(Entrevista a Magaly Solier, protagonista del film)

No fue ésta la única película que triunfó. Gigante, ópera prima de Adrián Biniez. Se trata de una historia de amor muy humana entre de un guarda jurado de un supermercado a una mujer de la limpieza. Una una película muy sencilla, pero en la que se dejan entrever algunas cuestiones políticas como la globalización. La soledad del guardia cautivó al jurado, que recompensó al film con varios premios, incluido el Gran Premio del Jurado. Un premio que compartió con Alle Anderen, película que narra el viaje vacacional de una pareja de enamorados a Cerdeña. A medida que avanza la historia, veremos cómo esa aparente normalidad es muy ilusioria, ya que poco a poco y de una forma muy explícita, la unidad se irá fragmentando.

Una de las películas que mejores críticas recibió, fue London river. Drama de inmigración, mediante el que el director argelino Bouchareb describe el miedo de los inmigrantes durante la época del terrorismo. La pareja de protagonistas, se conocen cuando están buscando a sus hijos. Una está horrorizada ante la posibilidad de que su hijo sea una de las víctimas del terrorismo y Ousmane, de que sea el suyo el causante de tal matanza.

CINE DE VETERANOS

Si la mayor parte de los premios en la sección oficial estuvo protagonizado por películas de directores poco conocidos, en el cartel encontrábamos auténticos veteranos del cine europeo. El film de época de Stephen Frears no acabó de cuajar, como tampoco el Forever Enthralled de Chen Kaige (director de "Adiós a mi concubina"). Mejor acogida tuvieron el drama de Betrand T avernier o la recompensa con el Premio Alferd Bauer al octogenario polaco Andrzej Wajda.

Resumiendo, Berlín ha perdido poder de atracción en los últimos años, ya que los directores más contrastados prefieren ir a Cannes y algunos que son menos conocidos prefieren probar suerte en el certamen francés, aunque se queden relegados a categorías menores. Así pues, Berlín pierde nombre, aunque siempre depara alguna sorpresa. Desde luego, ha sido una edición bastante interesante, y me quedo con una cita de Wolf-Martin Hamdorf y María Bernal, escrita en Dirigido por (num. 387, pags. 60- 63), en la que resaltan que en esta edición se han visto"una amplia variedad de temáticas y estilos que han conformado las líneas maestras de la edición de este año, mucho mejor de lo que se ha dicho".

Berlinale 2009: Palmarés

2009-05-30T01:55:00.000-07:00

Oso de Oro: La tet a asustada, de Claudia Llosa (Perú-España).
Premio Especial del Jurado: Gigante, de Adrián Biniez (Uruguay-Argentina), y Alle Anderen, de Maren Ade (Alemania).
Oso de Plata al mejor director: Ashgar Farhadi, por Darbareye Elly (Irán).
Oso de Plata al mejor actor: Sotigui Kouyate, por London River (Reino Unido).
Oso de Plata a la mejor actriz: Birgit Minichmayr por Alle Anderen, de Maren Ade (Alemania).
Oso de Plata al mejor guión: The Messenger, de Oren Moverman y Alessandro Camon (EEUU).
Premio Alfred Bauer: Gigante, de Adrián Biniez (Uruguay-Argentina), y Tatarak de Andrzej Wajda (Polonia).
Premio a la mejor ópera prima: Gigante, Adrián Biniez (Uruguay-Argentina).
Oso de Plata a la contribución artística: Gábor Erdély y Tamás Szekely por el sonido de Katalin Varga.
Premio del Jurado Ecuménico: Little Soldier de Annete K. Ohleson. Menciones especiales: London River, de Rachid Bouchareb y My One and Only, de Richard Loncraine.
Premio de la FIPRESCI: La Teta Asustada, de Claudia Llosa (sección oficial),

Málaga 2009: Palmarés y balance del Festival de cine de Málaga 2009

2009-05-26T02:31:00.000-07:00

PALMARÉS

BIZNAGA DE ORO MEJOR PELÍCULA DOTADO: La Vergüenza, de David Planell

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: El niño pez, de Lucía Puenzo

MEJOR DIRECCIÓN: Mar Coll, por Tres días con la familia

MEJOR ACTRIZ: Nausicaa Bonnín, por Tres dias con la familia

MEJOR ACTOR: Eduard Fernández, por Tres días con la familia

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Toni Acosta, por 7 Minutos

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Sancho Gracia, por 7 pasos y medio

MEJOR GUIÓN: La vergüenza, de David Planell

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: Joan Saura, por 7 pasos y medio

MEJOR FOTOGRAFÍA: Rodrigo Pulpeiro, por El niño pez

MEJOR VESTUARIO: Antonio Belart, por The Frost

MEJOR MAQUILLAJE: Astrid Lehmann y Michaela Oppl, por Flores Negras

MEJOR GUIONISTA NOVEL: Borja Cobeaga y Diego San José, por Pagafantas

PREMIO DEL PÚBLICO: Fuga de Cerebros

DOCUMENTALES

MEJOR DOCUMENTAL: El Círculo de José Pedro Charlo y Aldo Garay

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: Juan y Medio, de Constanze Witt y Birgit Vogt

PREMIO DEL PÚBLICO: Un instante preciso, de Manuel Huerga

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO: The Illusion, de Susana Barriga

BALANCE

Poca cobertura informativa. Poco ruido. Pocas obras que llamen la atención. El Festival de cine de Málaga de este año se ha caracterizado por el casi olvido. Digo casi, porque sólo los medios de comunicación que pagaban parte del presupuesto de unas cuantas películas, han hecho caso a este certamen cada vez más olvidado a nivel nacional. Si veíamos la televisión, todos los elogios se los llevaban un par de comedias producidas por Antena 3, que parecían la quinta esencia. Y sí, tenían razón. La quinta esencia del despropósito total. Si esto fuera un blog de periodismo, no estaría mal que habláramos de la falta de veracidad en las informaciones de algunas televisiones. Pero bueno, eso ya se ha convertido en un práctica habitual cuando se habla de cine, por lo que los informativos televisivos se están conviertiendo en el peor espacio para informarte sobre un acontecimiento cinematográfico. Dejando esto de banda, nos queda ver lo que se mínimamente se salva. "La vergüenza" se llevó el máximo galardón. Se trata del debut en largometrajes del director de cortos David Planell. Un director que siempre se ha caracterizado por la fluidez de los diálogos y que ahora adapta la misma técnica al largo. Resultado, duro trabajo de guión que hace pesado el seguimiento del relato. Pocas localizaciones y muchas disputas entre un chaval y sus padres adoptivos. Muchas reflexiones acerca de la infancia del chico y de los traumas que tienen sobre su conducta. La felicidad ha debate, ya que el compartamiento del joven hace tambalearse la relación de pareja de sus padres. Mucha letra para unos justitos 90 minutos de duración.

Una de las cineastas con más nombre era Lucía Puenzo, directora de XXY. En esta ocasión presenta un thriller en forma de cine negro adaptado de un libro escrito por ella y titulado "El niño pez". Las relaciones sexuales vuelven a aparecer, en este caso de relación homosexual entre dos jóvenes. A partir de ahí, problemas entre ellos por una lucha de clases y saltos en el espacio- tiempo para componer un puzzle que el espectador ha de ir resolviendo. Otro retrato sobre el papel hipócrita de la burguesía consevadora actual es el núcleo del que parte otra de las triunfadoras del certamen, "Tres días con la familia". Rodada en forma de thriller y con un rodaje muy bajo, narra la historia de una protagonista que viaja para asistir al entierro de su abuelo. Durante los tres días que dura el velatorio, verá las diferencias de pensamientos entre la nobleza de su familia y ella.

Esto es lo más destacado de este festival. Películas muy económicas, cuya mayoría y en el mejor de los casos, que se estrenarán en pequeñas salas de grandes ciudades. El resto ya lo conocéis. Alguna descerebrada comedia que triunfará en taquilla, pero que no quedará en la memoria de los amantes del cine.

Cannes 2009: Haneke gana una edición con mucho cine de autor

2009-05-25T01:42:00.000-07:00

PALMARÉS

- Palma de Oro. Das weisse Band, de Michael Haneke.
- Premio Especial del Jurado. Un profeta, de Jacques Audiard.
- Premio Especial del Festival.
Para la trayectoria de Alain Resnais, que participó con el filme Les herbes folles.
- Mejor actor. Cristoph Waltz, por Malditos bastardos, de Quentin Tarantino.
- Mejor actriz. Charlotte Gainsbourg, por Anticristo, de Lars von Trier.
- Mejor dirección. Brillante Mendoza por Kinatay.
- Mejor guión. Spring fever, de Lou Ye.
- Premio del Jurado. Ex aequo para Fisch Tank, de Andr ea Arnold, y Thrist, de Park Chan-wook.

BALANCE

Desde el pasado jueves, había un claro favorito para la consecución de la Palma de Oro. No era otro que el cineasta alemán y austriaco Michael Haneke. Ya comentamos como su retrato del nacimiento de germén de la Alemania nazi, en "The white ribbon", había enamorado al público y a la crítica. En CAnnes, lo había ganado casi todo, sólo le faltaba que le premiaran con el máximo galardón. Isabelle Huppert, presidenta del jurado y que ganó el premio a mejor actriz con "La pianista", dirigida por el propio Haneke, no dudó ni un instante a la hora de pronunciar su nombre. A pesar de la gran amistad que les une, no parece un trato de favor y todo el mundo habla de la justicia del premio. De lo que también entiende la presidenta del jurado, es de los retratos de mujeres enferemas, hasta el punto de autoflagelarse, de mentes perturbadas y obsesiones sexuales. Ese es el papel que le dio el premio en 2001 y ese es la actuación con la que ha premiado a Charlotte Gainsbourg, la actriz de "Anticristo". La película más polémica del festival, la que transformó a muchos críticos en abogados del diablo y que parece haber poseido a algunos de ellos (me refiero a la pérdida de papeles absoluta de algunos críticos de cine de diarios españoles muy reconocidos). Pero así es Lars von Trier. Llegó con otra película muy arriesgada y provocativa, se lo pasaría en grande viendo los piropos que le lanzó la prensa y ahora se va con un premio bajo el brazo. La otra actuación premiada ha sido la Cristoph Waltz, por su actuación como coronel de las SS nazis en los "Inglourious basterds" de Tarantino. Una distinción que premia una gran actuación, según toda la crítica. Una película que los primeros días del festival conmovió al público fue "Un prophete", un drama carcelario de Jacques Audiard, que ha ganado el premio Especial del Jurado. El resto de los premiados sí que ha sido sorprendente y, en algunos casos, inexplicable. El filipino Brillante Mendoza, realizó una película cargada de violencia que no gustó nada ni a la crítica ni al público. Al igual que el film de Lou Ye, que también tuvo una recogida muy fría. Mejor dirección para el primero y mejor guión para el segundo. El premio del Jurado fue a parar ex aequo, a manos de Andrea Arnold, que gustó, y de Park Chan-wook, que tampoco enamoró a la crítica. Por último mencionar el reconocimiento especial a la trayectoria de Alain Resnais, que como ya comentamos, se cumplían 50 años de su debut en este festival con "Hiroshima mon amour".

Haneke ha sido el autor de los autores en esta edición. La crítica se queja de que ha habido excesivo cine de autor, cosa que ya estaba clara al ver el cartel de competición. Grandes nombres han luchado por la Palma de Oro, que al final se ha llevado el alemán. Sin duda el gran reconocimiento que faltaba a una gran filmografía. Ahora, toca esperar a los estrenos de todas las películas y ya veremos si nos subimos al carro de muchos críticos, que da igual de que festival hablen, porque lo que siempre tienen en común todos para ellos, es la falta de calidad en los films participantes. Yo prefiero esperar, ver y disfrutar del cine.

Cannes 2009: Coixet filma su amor por Tokio

2009-05-23T04:55:00.000-07:00

Último día de exhibición de las películas que optan a la Palma de Oro, que se fallará mañana. Hoy era el turno de Isabel Coixet y de Tsai Ming-Liang. "Mapa de los sonidos de Tokio", es una especie de thriller romántico en la que se entremezclan venganza, dolor, amor, sexo, y suspense, todo ello con pocos diálogos y muchos sonidos. La película trata de un comerciante de vinos español que se encuentra en Tokio tras la muerte de su novia. Entonces, es seducido por una joven japonesa que trabaja en el mercado de pescado y que viene hacia él con oscuras intenciones. La historia está relatada por un viejo ingeniero de sonidos japonés que va grabando los sonidos de la ciudad nipona. "La historia gira sobre algunas reflexiones que me hago últimamente a próposito de las relaciones humanas, sobre cómo creemos saberlo todo de la otra persona y en realidad no sabemos absolutamente nada, cómo nos engañamos a nosotros mismo y, como a veces, en una relación de pareja, cuanta más intimidad física existe, menos contacto real hay con la otra persona", afirmaba lla directora catalana en la revista Cahiers du cinema España. Todo esto contado con el escenario de fondo de Tokio, apoyándose en una excelente fotografía y en los sonidos, tanto de los lugares como de la composición musical. No obstante, nuestra directora más internacional, parece haber tenido un recibimiento frío por parte de la crítica.

Por otro lado, la última película en competición ha sido "Visages" de Ming-Liang. Una película en la que destaca la vuelta de Jean- Pierre Léaud, el niño que triunfó hace 50 años en Cannes, con "Los 400 golpes" de François Truffaut. Un film que transcurre en el interior del museo Louvre, y en el que afloran el amor del director por los cuadros, la muerte de su madre, los mitos del sexo, del deseo o de la muerte. Todo con un homenaje de fondo al cineasta francés y con una fotografía muy bella. Pero, la crítica tampoco ha encajado muy bien este film y se dice que el guión no llega a convencer y que el relato resulta aburrido.

Cannes 2009: Los actores nunca mueren en el séptimo arte

2009-05-23T04:13:00.000-07:00

Heath Ledger volvió ha aparecer ayer en una pantalla de cine. El actor falleció el pasado año, cuando había empezado el rodaje de la última película de Terry Gilliam. Con a penas medio largometraje rodado, el director se topó con el inesperado percance del fallecimiento del australiano. Había que tomar una decisión y el cineasta optó por reescribir parte del guión, dejando intactas las escenas del Ledger. La película se inicia con la muerte en la soga del actor, hecho que sin duda dejó sin sobrecogido al público. Después, resulta que no muere y que siga presente en distintos momentos de la película. Colin Farrell, Johnny Depp y Jude Law, son los que recuperan su papel y, por tanto, los que se encargaron de seguir desarrollando el papel del fallecido. "No hemos cortado ni una línea. Ésta era la película que Heath quería hacer, y así la hemos terminado", aseguró ayer Gilliam en Cannes. La imaginario y fantasioso se entremezclan en esta "The imaginarium of Doctor Parnassus", temas característicos del director de "12 Monos". Además, Terry Gilliam aprovechó la cita para anunciar que rodará la historia inacabada de Don Quijote, aquella cuyo rodaje fue auténticamente caótico y que deparó en un documental sobre una historia sin finalizar.

Heath Ledger que encandiló a muchos con su interpretación de vaquero homosexual en "Brokeback Mountain", pasará a la historia por encarnar uno de los retratos más aproximado al estado de locurá absoluto, en el espectacular papel de 'joker' en "El caballero oscuro". Interpretación que le valió el Oscar a mejor actor secundario, y que demostró que si no se hubiera ido con 28 años, le espera un futuro prometedor. No obstante, el cine tiene una cosa magnífica, que no es otra que poder disfrutar una y otra vez de los actores. La vida artística de los actores ocupa un momento puntual de toda su existencia, pero su sombra y su recuerdo se prolongan interminablemente. Cuando aún colea la nostalgia por su fallecimiento, que se incrementa con el estreno de su nueva película, a algunos nos sobrecoge el repasar todas sus interpretaciones, que nos recuerdan que el cine es mágico y que Heath Ledger está muy vivo.

Cannes 2009: El conflicto de Palestina narrado por Suleiman cautiva a la crítica

2009-05-22T04:06:00.000-07:00

Elia Suleiman ha llegado por segunda vez a Cannes y ha vuelto a enamorar al público. En 2002, con "Intervención divina" ganó el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI, y en esta ocasión, con "The time that remains", puede ser una de las grandes sorpresas de cara al triunfo final. Suleiman se vuelve a sumergir en un conflicto de Oriente Medio en una clave satírica bastante original. Ya lo hizo en 2002, y ahora va más allá,haciendo una película que "intenta retratar la vida cotidiana de los palestinos que permanecieron en sus tierras y fueron etiquetados israelo-árabes, que viven como una minoría en su propia patria", dijo Suleiman. La inspiración del director han sido, el diario de su padre, que era un combatiente palestino en 1948 y las cartas de su madre, que fue expulsada de su país como otros tantos palestinos. El director homenajea a su familia, lo cual también significa un homenaje a todos los palestinos afectados por el conflicto. Sin duda, nos muestra un tema ya tocado en numeras películas y en el que es muy fácil caer en la sensiblería, en la crítica desmesurada o en el rencor (hay que recordar que el director es palestino). Y aquí radica el gran triunfo de este largometraje. Una crítica labrada desde la sátira y desde el silencio. Dividida en cuatro capítulos, parece que nos esté contando diferentes historias que rallan lo humorístico, pero siempre con el contexto violento de fondo, aunque éste nunca llega a dominar. "Sucede que Palestina ha sido objeto de sobreexposición en los medios de comunicación que ha dejado abierto a las ideologías de la izquierda y la derecha. Sentí que mi problema era desviarse de este enfoque simplista de hacer una película en la que no hay ninguna lección de historia que aprender."

Por otro lado, hoy también ha entrado en competición el último director francés que opta a la Palma de Oro. No obstante, Gaspar Noé, dejó claro antes del festivalque la cinta no estaba acabada y que sufrirá algún retoque en post producción. Un hecho que resta sus opciones de poder vencer en Cannes. El director vuelve a la Croisette después de que su "Irreversible", también de 2002, revolviera el estómago al público y dividiera a la crítica. Ahora, "Enter the void" trata de dos hermanos, uno traficante de drogas y la otra 'stripper', que se acompañan en Tokio. Un lugar que nos hace recordar que mañana presentará su film "Mapa de los sonidos de Tokio", Isabel Coixet.

Cannes 2009: Haneke presenta su gran candidatura para hacerse con el triunfo

2009-05-21T04:51:00.000-07:00

Michael Haneke puede ser la gran sorpresa de cara a la consecución de la Palma de Oro. Ya se que es un director contrastado a nivel europeo, pero bien es cierto que sus películas suelen dividir mucho a la crítica, aunque casi siempre ha conseguido algún premio. En Cannes se le resiste el máximo galardón, ya que consiguió el premio a mejor director (Caché, 2005), mención Fipresci (Funny Games, 1997) y los de mejor actriz y actor (Huppert y Magimel, por La Pianista, 2001). Cuando resuenan los ecos de Tarantino del día de ayer, hoy se ha asistido a una gran jornada de cine. El alemán criado en Austria y con esta nacionalidad, nos transporta a la Alemania de principios de siglo XX, intentado mostrarnos el germen de la sociedad que llevaría, veinte años después, al ascenso de Hitler. "The white ribbon", así se titula el film, es una mirada a la violencia que ya se estaba produciendo en los poblados, y que tiene por protagonistas a unos niños, que veinte años más tarde tomarán los rumbos del nacionalsocialismo. Las dos horas y media de película, están narradas en blanco y negro, y siguen algunos rasgos característicos del director de Funny Games, creando una atmósfera fría y, por momentos, estridente. La tensión en las relaciones humanas, la obsesión por la violencia enfermiza o la soledad de algunos personajes, vuelven a estar presentes en el relato, pero lo que varía en esta ocasión, es la contención del cineasta. La violencia estará presente, pero la dejará fuera de campo o la omitirá a través de elipsis. Sin duda, una variante muy interesante, que le ha reportado muy buenas críticas y la ovación del público.

Los críticos destacan que Haneke ha realizado una aproximación al cine de Bergman y de Dreyer, y ha propuesto "la reflexión histórica de mayor calado y entidad, bordeando las pretensiones del ensayo histórico, la obra monumental más aliada con las reglas del clasicismo cinematográfico" (Carlos Reveiriego, El cultural). El director que se solía ganar al Jurado, hoy se ha ganado a la crítica, y, habrá que esperar al domingo para ver si consigue el máximo galardón que le falta, a pesar de haber dirigido grandes películas.

Por otro lado, en sección oficial, también ha presentado se película Xavier Giannoli. "A l'origine" es un film que trata sobre un ex convicto, que cuando sale de la cárcel, se monta una productora ficticia, y aparece en un pueblo ofreciendo trabajo para todos. Poco a poco, la bola se va haciendo más grande y los problemas del protagonista irán aumentando. El francés, no acaba de guardar mucho las formas, pero ha recibido una gran ovación cuando la película ha finalizado.

Hoy ha sido un día de sorpresas. Un día que la gente no tenía tan marcado en el calendario como otros, y que sin embargo, ha deparado dos obras muy interesantes.

Cannes 2009: Cincuenta años de "Hiroshima mon amour"

2009-05-21T01:44:00.000-07:00

Alain Resnais presentó en el Festival de Cannes su nueva "Les herbes folles", una comedia absurda sobre el misterio y la intriga que se apoderan de un hombre que se ha encontrado una billetera. A partir de ahí, empieza la búsqueda de la mujer dentista, que también le apasiona volar. Se trata sin duda de una película muy madura, de un director que atraviesa sus últimos años de carrera. No obstante, va a cumplir 87, y decía lo siguiente de su film: "Todo lo que me puedo decir es ¿producirá emociones la película que estoy dirigiendo… será suficiente para el espectador para no tener que irse del cine?”.

La crítica ha acogido bien esta comedia, "Alain Resnais no muestra signos de haber perdido la audacia artística con la que se hizo famoso desde Noche y niebla, Hiroshima Mon Amour, El año pasado en Marienbad y Providence… Con Les Herbes Folles, serenamente deja mejor impresión que muchos supuestos innovadores que compiten con él en Cannes por la Palma de Oro", decía Geoff Andrew, de Time Out. El director francés, nunca ha ganado el máximo galardón y la crítica siempre le ha acogido de diversa forma: "ha habido resultados neutros, como los de Mi tío en América (...) y también desastrosos como en el caso de Stavisky... Ahora no es que yo estuviera buscando ir a Cannes, pero así lo han querido mis productores y distribuidores" (Alain Resnais en la revista Cahiers du cinema España, nº23).

Aunque bien es cierto que para "Hiroshima mon amour", una de sus primeras películas (Noche y niebla es anterior, pero se estrena más tarde, con lo que el Bafta lo gana en el 61), Cannes sí que significó su despegue. No fue incluida en Competición, pero arrancó grandes críticas. No sólo despegó, sino que supuso -junto a otras películas- el nacimiento de la Nouvelle Vague, posiblemente el movimiento más influyente del cine. Era un film en el que se rompía la relación espacio-tiempo, en el que la distancia entre una pareja servía para ilustrar los problemas sociales de dos naciones, era en definitiva, una maravilla. Ahora se cumplen 50 años. Una efeméride que ha invitado a los nostálgicos ha recordar y ha emocionarse. Quién sabe si el jurado del domingo también será nostálgico. Si así fuera, sería un homenaje (nostálgico o no) a un grandísimo director y, por ende, a todo un movimiento que cambió el cine.

Cannes 2009: La simpatía de Tarantino es mejor recibida que su película

2009-05-20T07:45:00.000-07:00

Hacía muchos años que el director norteamericano había anunciado que iba a rodar este proyecto. Por unas circunstancias o por otras, el año pasado anunció en este mismo festival de Cannes, que en la edición de 2009 se presentaría. No obstante, parece que ha tenido que correr demasiado para que así haya podido ser. Por esta razón, Tarantino ha avisado que su "Inglourious basterds" puede sufrir retoques de postproducción en las próximas semanas. El director se ha ganado a los periodistas en la rueda de prensa posterior al pase de la película, con su habitual humor. Allí ha dejado algunas simpáticas perlas como que "en mis películas yo soy el dios, el que crea y quiere a sus personajes", o sobre el rechazo de Isabelle Huppert de protagonizar su película- ella es la presidenta del Jurado del festival- " yo siempre seré su fan número uno. Mi aspiración como cineasta es hacer algo como 'La puerta del cielo' "(se refirió a que este fracaso en la historia del cine, estuviera protagonizado por Huppert.

Pero yendo ya a lo que ha deparado la película, lo primero que llama la atención es la fría acogida que ha tenido. Se trata de un viaje hacia la Europa nazi, en la que un grupo de descerebrados intentará trazar un plan para matar a Hitler. El grupo estará encabezado por Brad Pitt. La película está dividida en capítulos, y es sin duda un homenaje al cine. Las continuas referencias a otros textos fílmicos, de una forma explícita, es uno de los estilemas básicos del cine de Tarantino. Este rasgo, está llevado al límite en esta película, desde el inicio (homenaje a Leone, empezando con Once Upon a Time...) hasta el final (la película es un remake tarantiniano de "Quel maledetto treno blindato", de Enzo Castellari)y pasando por muchas referencias a películas de serie Z y grandes clásicos del cine, como "El Gran dictador" (Charles Chaplin, 1940). Pero además, la película, a través de una escena en la que los revolucionarios planean un atentado en un cine parisino, "es una metáfora sobre el poder del cine. Pero por otro lado demuestra el poder del cine sin ningún tipo de metáforas", explicaba Tarantino. Un director que ha conservado otros rasgos típicos de su cine, como la ingeniosidad de los diálogos, la violencia o el sentido del humor, ya que se han utilizado diferentes idiomas para cada una de las nacionalidades de los personajes, hecho sobre el que bromeó Brad Pitt: "Da gusto trabajar en una película en la que los alemanas son alemanes, los franceses son franceses, los estadounidenses son estadounidenses y los británicos... son canadienses"
No obstante, la película ha parecido larga y, algunos críticos creen que hay que retocar el montaje para acelerar la acción. Sin duda, hoy se comenta más la rueda de prensa más divertida del Festival, que la propia película. Y eso quiere decir una de dos cosas, que se tapan carencias o que se piden explicaciones. Y de momento, explicaciones sólo se le han pedido a uno.

Cannes 2009: Vincere, biografía de Mussolini sin gran tirón

2009-05-20T01:10:00.000-07:00

Marco Bellocchio presentó en sección oficial su nueva película, Vincere, un drama biográfico sobre Mussolini. El film narra el ascenso del dictador italiano, altenandolo con imágenes de archivo. Precisamente, estas imágenes documentales que se van enntremezclando con la narración del ascenso socialista al poder en otros lugares de Europa, son lo que más ha gustado a los críticos. El arranque también ha agradado, aunque casi todos los expertos coinciden diciendo que la película se diluye a partir de poco más de la media hora, para recrearse demasiado en algunos aspectos que desconectan al espectador. El largometraje se centra en el drama humano de la primera mujer del dictador, que fue encerrada en un manicomio porque nunca se aprobó su relación con Mussolini. Fruto de esta relación, nació un hijo que será la figura (junto a la de la madre) fundamental a lo largo del film, sobre las que recaerá el mayor peso del drama humano que se está narrando. No obstante, floja acogida de la crítica a una película de un veterano director que esta vez no ha podido obtener unas críticas tan favorables como las que recogió hace unos años "La sonrisa de mi madre".

Por lo que respecta a las proyecciones de hoy, todo apunta a que puede ser una gran jornada. Presentan película dos de los pesos pesados del cartel de este año, Tarantino y Alain Resnais. El director americano exhibe "Inglourious Basterds", una película bélica con la que espera repetir la Palma de Oro que ya consiguió en 1994 con "Pulp Fiction". Mientras que el veteranísmo director francés, estrena "Les Herbes folles", con la intención de lograr un premio que nunca ha conseguido, a pesar de llevar 50 años realizando películas. Son sin duda, dos de los candidatos, a priori, más importantes para obtener la victoria final.

Cannes 2009: Almodóvar nos recuerda que el festival continua

2009-05-19T03:33:00.000-07:00

Siguen pasando los días en el Festival de Cannes y se siguen proyectando películas, tanto en la sección oficial como en el resto. Aún colean los ecos del "Anticristo" y las demoledoras críticas que ha recibido Lars Von Trier. Incluso apuntan algunos espectadores que hubo algún veterano crítico de este país que al finalizar la película, se levantó y se acordó a grito pelado de la madre del danés. Pero dejando de lado ya la polémica suscitada por este film, hoy se ha estrenado la primera de las dos películas españolas que compiten por la Palma de Oro en Cannes (Coixet presentará su "Mapa de los sonidos de Tokio" el viernes). Se trata de "Los abrazos rotos" de Almodóvar que ha recibido buenas críticas por parte de los expertos y del público. El film se encuentra en esta etapa más madura de su cine, que ya empezó hace diez años con la sobrevalorada "Todo sobre mi madre", y que se ha convertido con el paso del tiempo en el largometraje más reconocido del manchego a nivel internacional. Con ella consiguió el premio en Cannes a mejor director y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Después seguiría el Óscar a mejor guión original de "Hable con ella" y la nominación a mejor actriz principal de Penélope Cruz, por "Volver".

En esta ocasión, el director nos presenta un melodrama con tintes de cine negro, de thriller y algún rasgo cómico habitual, que resulta bastante típico en su cine. Como también es bastante típico su egocentrismo, que en esta ocasión queda explícito desde el inicio al mostrarnos sólo su nombre en los títulos de crédito iniciales. Además, la película es una especie de autohomenaje, resaltando todos los clichés típicos de su cine. Ese juego de pasiones, de secretos, venganzas... es muy característico, sobre todo, de la última etapa de su cine. Es una película que conforme avanza hacia sus momentos más decisivos, pierde un poco la conexión con el espectador en ese universo de historias amorosas y relaciones vitales. No obstante, no es una mala película, y teniendo en cuenta la buena acogida en Cannes por parte de los espectadores y el buen nombre del manchego a nivel internacional, le pueden convertir en un candidato importante en la lucha por la Palma de Oro. Aunque, también es cierto que hoy los medios de comunicación españoles lo elevarán a lo más alto de los altares.

"Una agitada, larga y francamente disfrutable amalgama de géneros que combina melodrama, comedia y más cine negro que nunca, todo sostenido gracias a la extraordinaria fuerza de la personalidad cinemática de Almodóvar. Aunque su historia de amor a cuatro bandas deslumbramente, nunca llega a explotar." (Jonathan Holland: Variety)

"Y no te crees nada, aunque el envoltorio del vacío intente ser solemne y de diseño. Y los intérpretes están inanes o lamentables. La única sensación que permanece de principio a fin es la del tedio." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Un Almodóvar para hipertensos: poca sal. (...) Es, contra toda lógica, una película fría, a pesar de que lleva dentro un argumento hirviente y una idea volcánica: el amor fosilizado eternamente." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"La puesta en escena es extraordinaria y la dirección de actores magistral, pero el guión es un puro altibajo (...) alternancia de momentos memorables (...) con otros para el olvido. (...) un final que se alarga innecesariamente (...) " (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Almodóvar ha aprovechado el festival para anunciar que su próximo proyecto será sobre la Guerra Civil española y que "Quiero hacer algo especial. No va a haber tiros, no va a haber contienda. Se va a hablar de otras cosas, de seres que ahora viven y que en ese momento eran muy jóvenes. No sé cuando lo haré, pero lo tengo allí y ya estoy escribiendo".

Cannes 2009: Ken Loach o el analgésico de su comedia

2009-05-18T09:19:00.000-07:00

¿Es casualidad que coincidan en el mismo día de exhibición Ken Loach y Lars Von Trier? No lo se, pero la verdad es que si es casualidad, menuda coincidencia. La dura crítica recibida por el danes, contrasta con los aplausos que ha recibido el británico. Puede ser, que después de ver el horror de "Anthicrist", la aceptación de la comedia de Loach haya sido más positiva. Por decirlo de otra manera, la crítica puede estar condicionada por el contraste de emociones, que va de lo infrahumano a lo más humano. Y en esa humanidad, encontramos a un personaje con los típicos problemas que tiene cualquier padre con su hijo. Cuando le aparece uno de esos problemas, allí se encuentra el ex-jugador de futbol Eric Cantona, que le enseñará su filosofía de vida. La película contiene algunos de los mejores goles de la carrera futbolística del jugador francés.

"Nunca pensé que ir a un partido de fútbol fuera una oportunidad de hacer un experimento antropológico. Pero lo cierto es que el concepto de equipo es una forma de comunidad. Es la única circunstancia en el que el nacionalista está permitido y los sentimientos se expresan libremente", explicó Loach.

El realizador británico, que ganó hace tres años con "El viento que agita la cebada", consiguió que su nuevo film resultara amable y agradable para el público. No se hasta que punto le deba parte de ese buen recibimiento a Lars Von Trier. Yo de momento tengo claro que entre el cine obvio de Loach y el subversivo del danés, me quedo con el segundo.

Cannes 2009: Lars Von Trier destroza la tranquilidad de la Croisette

2009-05-18T07:45:00.000-07:00

Palos, muchos palos. Eso es lo que está recibiendo Lars Von Trier por su nueva película. Se trata de un film de terror psicológico en el que una pareja intenta superar su depresión por el fallecimiento de su hijo. Para ello, se aíslan en una cabaña, con el fin de superar sus propios miedos. A partir de aquí, sexo explícito, sadomasoquismo, autoflagelaciones, sangre... Elementos que llevan a la incomodidad total del espectador. La crítica ha abucheado esta película e, incluso en rueda de prensa, al cineasta danés le han pedido que se excuse por hacer este largometraje. Ahora me pregunto yo, ¿qué hay de nuevo en todo esto?. Lars Von Trier es un director excéntrico, polémico y con una forma de ver el mundo muy peculiar. Es por ese motivo por el que suele hacer lo que le viene en gana (ver por ejemplo el movimiento Dogma 95, "Las cinco condiciones" o "El jefe de todo esto"), siendo repudiado por muchos espectadores. El danés ya sabe lo que es ir a Cannes con un buen film y volverse con abucheos. Sucedió con "Los idiotas" y ahora ha vuelto a pasar(ver resumen de Cannes 98 de Boyero). Sin ver todavía la película, estoy seguro de que él ya sabía qué acogida iba a tener entre el público, ya que si algo le caracteriza al danés, es ser uno de los cineastas más inteligentes del momento. Tanto, que en rueda de prensa, ha mostrado hasta donde llega su ego, afirmando que es "el mejor cineasta del mundo", y se ha dirigido a algunos periodistas para decirles que si "no han entendido la película, él no se la iba a explicar".

Von Trier se encontraba sumido en una depresión desde hace dos años, y ahora rueda una película sobre esa enfermedad. Él sabe lo que es, y los miedos que se padecen, por lo que atisbo que su intención ha sido torturar al espectador como él se ha torturado durante este periodo.
"Eso es como un sueño convertido en película". "Es un sueño muy oscuro, sobre la culpa, el sexo y otras cosas".

Luis Martínez, El Mundo: "¿La más pretenciosa de sus películas o la más disparatada de sus ocurrencias? Respuesta: las dos cosas. Imposible retirar la mirada de algo tan sugerente y magnéticamente repulsivo. Trier en estado puro."

Rodriguez Marchante, Diario ABC: "No es “Anticristo” la película de un loco depresivo, sino la de alguien que sabe a la perfección dónde está la locura y la depresión, y lo detalla minuciosamente..."

Carlos Boyero, El País: "El Anticristo es una tomadura de pelo notable, una provocación barata"

Cannes 2009: La batalla de Amenábar

2009-05-18T03:25:00.000-07:00

Llegí el día en que Amenábar volvió a estrenar una película. Después de que sus primeras películas ("Tesis", "Abre los ojos" y "Los otros") cautivaran al público y a los académicos, el director español dio un giro en su forma de hacer cine, para mostrarnos algo más comercial. "Mar adentro" se convirtió en un éxito entre público y crítica, pero defraudó a gran parte de los académicos. Ahora, el cineasta nos sumerge en la épica del cine de época, con una película ambientada en el siglo IV, haciendo una reflexión sobre las tragedias de la historia de la humanidad y sobre esa especie de comienzo de la Edad Media. Sin duda, "Ágora" es un proyecto faraónico de 50 millones de dólares, una de las producciones más caras de la historia del cine español. Las primeras impresiones es que la crítica está dividida entre los que lo ven como una gran apuesta y los que lo consideran una decepción. Lo que sí que me atrevería a aventurar es que se trata de la apuesta más comercial de Amenábar, aunque según el propio cineasta en la revista Cahiers du cinema España (Nº 23, pág. 14), "es una película out of the box, está a medio camino entre el cine comercial y el personal". Sin embargo, si vemos este vídeo, podremos corroborar cuál es su principal objetivo ahora mismo.

"Grandioso proyecto con resultado notable. (...) poderoso sentido visual, diálogos excelentes, personajes diseñados con complejidad, tensiones latentes. (...) estoy deseando que me atrape la emoción, pero ésta no llega." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Las buenas noticias corren a cuenta del gusto por el detalle, la cinematografía elegante, el discurso pausado (...) Las otras, las malas (...) la historia no avanza, no hay tensión (...) mucha astronomía y poca emoción." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

"Ágora no logra, creo, traspasar el restringido umbral que separa lo bueno o muy bueno de lo excepcional. Hay pasión y toda las maestría del mundo en esta película pero en el centro del ágora... falta el punto de garra o de alma necesario" (Borja Hermoso: Diario El País)

"Ya he conseguido cerrar la boca después de ver "Agora"... Es fascinante, como también lo es el personaje que nos descubre, la sorprendente Hipatia (...) Amenábar borda lo grande (qué espectáculo) y modela lo pequeño, desde la idea hasta el hecho." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

Volviendo a la sección a concurso, ayer tuvo lugar el estreno de "Vengeance" la nueva película de Johnnie To. El hongkonés, vuelve a su terreno de los disparos, las largas secuencias, el thriller, que desde blogs como Sensacine apunten a que es una gran película. Sin embargo, los críticos de los principales diarios españoles argumentan que es más de lo mismo en la trayectoria del cineasta y que no ha logrado enganchar al público.

Cannes 2009: Ang Lee no decepciona a la crítica

2009-05-17T03:02:00.000-07:00

Primeros días de festival. Viendo páginas de enviados especiales, blogs, foros... casi todos coincidían con la decepción de los films de los primeros días. Todos esperaban más de Campion, que volvía a Cannes después de que hace 16 años se llevara la Palma de Oro con "El piano", de Park Chan Wook, que también recibió muy críticas hace unos años con "Old boy" o de Bong Jonn-Ho, autor de "Memorias de un asesino". Pero, ayer irrumpió uno de los directores con nombre más consagrado en los últimos años. Se trata del taiwanés Ang Lee, que presentó su particular visión de "TAking Woodstock", en la que se acerca al movimiento del Woodstock de finales de los 60. Una comedia dramática en la que se mezclan sexo, drogas, música y esperanzas de algunas personas de enriquecerse gracias al movimiento. La crítica destaca que el director no se limita sólo a describir lo que sucedió, sino que le aporta un toque personal que traslada al espectador al famoso festival de música.

- Borja Hermoso, El País, "Ang Lee persigue el espíritu hippy y la Palma de Oroç"
- Carlos Boyero, El País, "Es una película descriptiva y narrativa, irónica y tierna, humorística y lúcida, un homenaje memorable a aquel pasote generalizado que montaron los hijos de las flores"
- Rodriguez Marchante, Abc "«Taking Woodstock» es una obra impresionante, que elude el documental (tenía tan a mano fundirlo y confundirlo) para atrapar el documento, y que elude igualmente el drama para mostrar lo dramático y la comedia para que brote lo cómico."

Otra película que no disgustó fue "Un Prophète" de Audiard, drama carcelario en el que el protagonista árabe se entremezcla con la mafia racista en el interior de la cárcel. Un protagonista encrucijado entre estar al servicio de la mafia y en contra de sus pensamientos y de su pueblo. Una película de dos horas y medias muy violenta, pero que también ha gustado a la crítica.

- Luis Martínez, El Mundo "Con mano maestra el realizador que antes fue guionista durante décadas construye un drama carcelario libre de empeños, esquematismos, gestos manidos. Es decir, y para no perder el tiempo en adjetivos: una obra maestra".

En el concurso Una cierta mirada, también ha gustado mucho "Precious", un "dramón" de una mujer muy gorda que es violada por su padre y que tiene hijos con él. Una dura película independiente que ya triunfó en Sundance.
Por lo tanto, podríamos resumir que división de opiniones en el primer fin de semana del festival. Unos días, en los que se ha recuperado la gran asistencia de público y, lo que es mejor todavía, el buen cine.

Cannes 2009: Películas en competición

2009-05-14T09:48:00.000-07:00

"Bright Star," Australia-U.K.-France, Jane Campion
"Spring Fever," China-France, Lou Ye
"Antichrist," Denmark-Sweden-France-Italy, Lars von Trier

"Enter the Void," France, Gaspar Noe

"Visage," France-Taiwan-Netherlands-Belgium, Tsai Ming-liang
"Les Herbes folles," France-Italy, Alain Resnais

"In the Beginning," France, Xavier Giannoli
A Prophet," France, Jacques Audiard

The White Ribbon," Germany-Austria-France, Michael Haneke

"Vengeance," Hong Kong-France-U.S., Johnnie To

"The Time That Remains," Israel-France-Belgium-Italy, Elia Suleiman
"Vincere," Italy-France, Marco Bellocchio

"Kinatay," Philippines, Brillante Mendoza
"Thirst," South Korea-U.S., Park Chan-wook
"Broken Embraces," Spain, Pedro Almodovar

"Map of the Sounds of Tokyo," Spain, Isabel Coixet

"Fish Tank," U.K.-Netherlands, Andrea Arnold
"Looking for Eric," U.K.-France-Belgium-Italy, Ken Loach

"Inglourious Basterds," U.S., Quentin Tarantino

"Taking Woodstock," U.S., Ang Lee

Cannes 2009: se extiende la alfombra roja

2009-05-14T08:40:00.001-07:00

El glamour ya se ha apoderado de Cannes en esta seseintaidosava edición del festival de cine. Este año, viendo el cartel de participantes, se invita al optimismo de los cinéfilos, ya que grandes directores estrenarán sus nuevos films. Destacan los consagradísimos Tarantino, Ang Lee, Haneke, Lars Von Trier, Ken Loach o el veterano Resnais, que fue muy aclamado hace 50 años por la extraordinaria "Hiroshima Mon Amour". Por lo que respecta a la participación española, dos películas optarán a la Palma de Oro: "Los abrazos rotos", de Almodóvar y "Mapa de los sonidos de Tokio", de nuestra directora más internacional, Isabel Coixet. Además Amenábar también estranará su "Ágora", aunque fuera de concurso.

El Festival se inició ayer con la proyección de "Up", la última película de animación de Pixar. Una película de Docter (director de Monstruos S.A.) que supone otra gran apuesta de los estudios Pixar por la animación en 3-D.

Hoy se han proyectado las primeras películsa que optan al gran galardón. "Spring Fever" narra diferente historias de amor tanto homosexual como heterosexual, aunque no ha recibido muy buenas críticas. Otra de las películas que se ha estrenado y que ha tenido mejores críticas, ha sido "Fish Tank", de Andrea Arnold, que realiza una aproximación muy humana a la vida en suburbios.

Por lo que respecta al resto de proyecciones del día de hoy, destaca un nombre que ya sabe lo que es ganar en dos ocasiones la Palma de Oro, por dos grandes películas como son "La conversación" y "Apocalypse Now". Como no puede ser de otra manera, estamos hablando de Francis Ford Coppola, que en esta ocasión dirije "Tetro", película que participa en la categoría de la "Quincena de los realizadores" y que está protagonizada por Vicent Gallo y Maribel Verdú, y en la que también interviene la española Carmen Maura. Parece que el director realiza una mirada al pasado y vuelve a ese cine modesto que tan buenos frutos le dio con "La ley de la calle" o "Rebeldes".

Los crímenes de Oxford: Romper un estilo

2009-03-05T01:10:00.000-08:00

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Si Javier Fesser rompe su estilo de rodar al hacer un film como Camino, qué decir de lo que practica Alex de la Iglesia. Un cineasta etiquetado por su humor ácido, sus películas gamberras o su agilidad en los diálogos, que deja todos estos rasgos en el baul para presentarnos un thriller matemático con artistas internacionales claramente reconocidos. Así, transforma su estilo de una manera brutal, situándose en un cine excesivamente comercial. Parece ser una etapa interesante para los thrillers matemáticos, ya que en los últimos tiempos hemos visto desfilar por las salas de cine películas como "Zodiac", "La habitación de Fermat" o "El código da Vinci". Cito estas tres, porque van de en un orden descendente, de una grandísima película a un insulso e indigerible film de Ron Howard. Entonces, ¿dónde ubicar a "Los crímenes de Oxford"?.
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La trama de la película la sostienen Elijah Wood y John Hurt en la búsqueda de un asesino en serie. El alumno deberá ir resolviendo los problemas que le plantea el profesor para decifrar el misterio. Entre medias tenemos el personaje de la enfermera Leonor Watling, cuyo rol en la película nunca quedará claro. No sabemos si es una aliada, la novia, una clásica femme fatale o simplemente se encuentra en escena para alegrar la vista a los espectadores a los que les guste su cuerpo. Con esta indefinición se va desarrollando toda la historia que, vuelvo a repetir, se ha tragado todos los estilemas de De la Iglesia. Por esto, no aparecen diálogos fluidos ni interesantes, tan sólo aparecen. El núcleo parecen ser esos problemas matemáticos, pero que tampoco tendrán una gran relevancia para que el público no se pierda. Así, cuando uno ve el film no se soporta por ninguno de estos rasgos, sino por el interesante ritmo que tiene la historia. Entre el plano secuencia hitchcockniano inicial, el montaje y, sobre todo, la banda sonora de Roque Baños, se llega con expectación al desenlace de la historia. Un desenlace con una obra teatral clasicista pero convincente y un diálogo que está a la poca altura de casi el resto del largometraje.
Con todo esto, no critico que Alex de la Iglesia no siga con su estilo, sino que no creo que romper ese estilo para pasar a este comercialismo triunfador en taquilla sea la mejor decisión del director. Al final el film te deja la misma sensación que a Elijah Wood, un cierto aire de reflexión hacia la indiferencia y hacia el engaño.

Reportaje "Los crímenes de Oxford" (en català, tret de TV3)

CAMINO: Fe en la vida

2009-03-04T07:33:00.000-08:00

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Camino partía en la gala de los Goya con siete nominaciones, un director conocido por "El milagro de P Tinto" y su "Gran aventura con Mortadelo y filemón" y un reparto que no sobresalía al ver la ficha técnica (Nerea Camacho, Carmen Elías, Manuela Vellés, Jordi Dauder). Sin embargo consiguió seis premios, incluyendo mejor película y director, y un gran reconocimiento a los actores con tres galardones más. Hay veces que no hay que guiarse por los prejuicios a la hora de elegir qué película se ha de ver y cuál no. Porque Javier Fesser demuestra en esta película que sabe dirigir y lo hace narrando una historia dura, difícil y en la que es fácil caer en la sensiblería. De este modo, nos sorprende creando un cuento de hadas, unas pesadillas terroríficas y un personaje conmovedor e incomprendido por el núcleo en el que se mueve su familia.
Camino como personaje nos muestra que siempre se puede ser feliz cuando se hace lo que realmente uno desea. Camino como película nos enseña cómo las personas que se ven afectadas por tener algún conocido en el Opus Dei están sometidas a una creencia y una fe inexorable. Es por este motivo, por el que el superproteccionismo de Gloria (Carme Elías) hacia Camino es cercano a la dictadura familiar. No le deja hacer teatro, no le compra el libro que quiere, le hace un vestido distinto al que le gusta...
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Pero Camino es un ejemplo de superación constante. A pesar de que la vitalidad que desprende siempre se vea atacado por factores internos o externos, ella siempre luchará por Jesús (el chico que le gusta). Influenciada por Blancanieves, que tendrá un gran protagonismo durante todo el film, ya sea a través de ratones, obras de teatro o elementos oníricos, ella sueña con poder caminar, actuar y ser feliz. Pero a medida que avanza su enfermedad, el encierro al que es sometido por el Opus, se fortalecerá. Ella sólo podrá ser feliz abriendo la ventana y llegando a su imaginación, en la que sólo encontrará a su padre y al Jesús del que está enamorada, en un final con un montaje paralelo vitalizador, y con las típicas metáforas (entendidas como desconocimiento de la madre sobre a quién y a que se refieren sus palabras) que se dan durante todo el film.
En definitiva, una obra durísima, pero moralizadora, en el que el único pero que se le puede achacar son algunas escenas prescindibles que alargan el metraje excesivamente. Lástima que a algún sector de la población ese discurso redundante, repetitivo y vacío no le canse.
Reportaje de Días de cine

Los girasoles ciegos: Más de lo mismo

2009-03-03T01:44:00.000-08:00

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La última película elegida por la Academia de Cine Española para representar a España en los Óscar, pasará a la historia como una de las grandes perderoras en los Premios Goya. El film del veterano José Luis Cuerda, tan sólo obtuvo el galardón al mejor guión adaptado, escrito por el gran Rafael Azcona. La historia está ambientada en la posguerra española, en la gran represión que hubo contra los supervivientes republicanos. Así, una historia de amor, el que siente el profesor interpretado por Raúl Arévalo hacia Maribel Verdú, se mezcla con esos trasuntos políticos. La importancia que adquirió la Iglesia se muestra con el poder que piensa tener ese profesor del clero. La trama va avanzando mostrándonos cómo se esconde la familia y cómo el cura se va interesando por el personaje de la madre. Mientras, cada vez que suena el timbre, el padre, interpretado por Javier Cámara, ha de esconderse en un hueco de la habitación de matrimonio. Eso es todo lo que queda de su vida, un agujero detrás del armario en el que se encuentran todos sus libros prohibidos. El que sus hijos se vean obligados a exiliarse, no hace más que reforzar esta idea, pero no funciona y queda excesivamente sensiblero.
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El problema del relato es que cuando finaliza te queda la sensación de estar vacío e indiferente ante una historia que parece ya estar contado una y mil veces. Los conflictos ya señalados se resuelven en una disputa y a través de los poemas escritos por el padre. Esta pelea no te la acabas de creer, parece un pegote en la historia, quedando el desenlace muy forzado. Al final, para no acabar con el plano del salto al vacío, el director nos muestra otra de esas conversaciones entre el profesor y el cura que no aporta nada diferente.
Hay que reconocerle al director de "La educación de las hadas", que el relato es pulcro y oscuro como la historia, pero muy plano, insípido y carece de chispa para llegar a enganchar.
Sin lugar a dudas, la decepción de su director por el escaso botín en los Premios Goya, se debe a la excesiva cantidad de categorías a las que fue nominado. El que fuera elegida para representar al país en los Óscar, no es más que el fiel reflejo del mal año, en cuanto a calidad se refiere, del cine español.

Vídeo del desenlace

Aniversarios

2009-02-22T04:37:00.000-08:00

- 100 años del nacimiento de Mankiewicz (2008)

OTROS REPORTAJES

2009-02-19T14:52:00.000-08:00

- CHAPLIN QUISO SER NAPOLEÓN
- RODAJE APOCALYPSE NOW
- RODAJE DE CLEOPATRA
- RODAJE EVA AL DESNUDO

REPORTAJES DE FESTIVALES (FLASH BACK)

2009-02-18T03:14:00.000-08:00

- OSCARS 1942
· Parte I (Polémica)
· Parte II (Películas en competición)

Festivales día a día

2009-02-18T03:12:00.000-08:00

- CANNES 09

Crónicas

2009-02-18T03:08:00.000-08:00

- BERLINALE 09
- CANNES 09
- GOYA 09
- MÁLAGA 09
- OSCARS 09
- SAN SEBASTIÁN 09
- SITGES 09

Críticas

2009-02-18T02:51:00.000-08:00

- Anticristo (Antichrist, Lars von Trier, 2009)
- Apocalypse now (F.Ford Coppola, 1979)
- Camino (Javier Fesser, 2008)
- Carta a tres esposas (A letter to three wives, J.L. Mankiewicz, 1949)
- Cleopatra (J.L. Mankiewicz, 1963)
- Cold Souls (Sophie Barthes, 2009)
- El caballero oscuro (The dark knight, Christopher Nolan, 2008)
- El curioso caso de Benjamin Button (The curious case of Benjamin Button, David Fincher, 2008)
- El desfío Frost vs. Nixon (Frost/Nixon, Ron Howard, 2008)
- El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009)
- Eva al desnudo (All about Eve, J.L. Mankiewicz, 1950)
- Gran Torino (Clint Eastwood, 2008)
- Julio César (Julius Caesar, J.L. Mankiewicz, 1953)
- La conversación (The conversation, F.Ford Coppola, 1974)
- La huella (Sleuth, J.L. Mankiewicz, 1972)
- Los crímenes de Oxford (Alex de la Iglesia, 2008)
- Los girasoles ciegos (José Luis Cuerda, 2008)
- Malditos bastardos (Inglourious basterds, Quentin Tarantino, 2009)
- Mapa de los sonidos de Tokio (Map of the sounds of Tokio, Isabel Coixet, 2009)
- Si la cosa funciona (Wathever Works, Woody Allen, 2009)
- Slumdog millioneire (Danny Boyle, 2008)
- UP (Pete Docter, 2009)
- Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen, 2008)
- Wall-E (Andrew Stanton, 2008)

Goya 2009

2009-02-13T04:20:00.000-08:00

Los premios Goya 2009 serán recordados por el triunfo de "Camino" y la decepción de directores como Jose Luis Cuerda y Agustín Díaz Yanes. Partía como favorita la película del director manchego, que había sido preseleccionada para representar a nuestro país en los Oscar y que se presentaba a la gala con 15 nominaciones. Pero la sorpresa saltó cuando se iban mencionando los primeros premiados y los films "Los girasoles ciegos" y "Sólo quiero caminar" ni siquiera se mencionaban en categorías menos relevantes. Cuando llegaron los premios "gordos", la película de Javier Fesser arrasó con seis estatuillas: mejor película, director, guión original, actriz principal, actriz revelación y actor de reparto. Tan sólo el mejor guión adaptado fue a parar a las manos de Cuerda, por la memoria de Rafael Azcona, y mejor fotografía para la de Yanes. La otra gran triumfadora fue "El truco del manco", que venció en las tres categorías a las que estaba nominado: mejor director novel, canción original y actor revelación, estos dos últimos conseguidos por el cantante de rap El langui.
Por su parte, Penelope Cruz y Benicio del Toro, vencieron en las categorías en las que estaban nominados, como ya se presuponía. Buenas interpretaciones de los dos actores en dos películas que no se entendió muy bien que estuvieran nominadas a los premios de la Academia de Cine Española, dado su mínimo componente presupuestario español.
La gala estuvo conducida por la actriz Carmen Machi y los humoristas de Muchachada Nui, un híbrido que aprobó y arrancó alguna que otra carcajada.

Para ver todos los premiados, pulsa aquí